FANTASTISCHE FRAUEN SURREALE WELTEN VON MERET OPPENHEIM BIS FRIDA KAHLO bis 24. Mai 2020

Ausstellungsimpression von FANTASTISCHE FRAUEN. SURREALE WELTEN VON MERET OPPENHEIM BIS FRIDA KAHLO,  vom 13. Februar bis 24. Mai 2020  © Schirn Kunsthalle Frankfurt, 2020, Foto: Norbert Miguletz
Ausstellungsimpression von FANTASTISCHE FRAUEN. SURREALE WELTEN VON MERET OPPENHEIM BIS FRIDA KAHLO, vom 13. Februar bis 24. Mai 2020 © Schirn Kunsthalle Frankfurt, 2020, Foto: Norbert Miguletz

Vom 13. Februar bis zum 24. Mai 2020 präsentiert die Schirn Kunsthalle Frankfurt die große Überblicksausstellung „Fantastische Frauen. Surreale Welten von Meret Oppenheim bis Frida Kahlo“, die den Künstlerinnen des Surrealismus gewidmet ist. Göttin, Teufelin, Puppe, Fetisch, Kindfrau oder wunderbares Traumwesen – die Frau war das zentrale Thema surrealistischer Männerfantasien. Künstlerinnen gelangten zunächst als Partnerin oder Modell in den Kreis um den Gründer der Surrealisten-Gruppe, André Breton. Schnell brachen sie aus diesem Rollenverständnis aus und schufen selbstbewusst unabhängige Werke. Die Ausstellung der Schirn beleuchtet erstmals den weiblichen Beitrag zum Surrealismus und zeigt, dass die Beteiligung der Künstlerinnen an der internationalen Bewegung wesentlich umfassender war als allgemein bekannt und bislang dargestellt. Unbewusstes, Traum und Zufall, Mythen und Metamorphosen, Literatur und das politische Zeitgeschehen sowie Materialexperimente und inszenierte Fotografie – viele bekannte Themen des Surrealismus kennzeichnen ebenso die Werke der Frauen. Was die Künstlerinnen von ihren männlichen Kollegen vor allem unterscheidet, ist die Umkehr der Perspektive: Durch die Befragung des eigenen Spiegelbilds oder das Einnehmen verschiedener Rollen sind sie auf der Suche nach einem (neuen) weiblichen und künstlerischen Identitätsmodell.

Die Ausstellung konzentriert sich auf Künstlerinnen, die direkt mit der Anfang der 1920er-Jahre in Paris gegründeten surrealistischen Bewegung verbunden waren, wenngleich bisweilen nur für kurze Zeit: Sie waren mit André Breton persönlich bekannt, stellten mit der Gruppe aus, beteiligten sich an Publikationen und setzten sich mit den surrealistischen Ideen theoretisch auseinander. Mit rund 260 Gemälden, Papierarbeiten, Skulpturen, Fotografien und Filmen von 34 Künstlerinnen aus 11 Ländern bildet die Schau ein vielfältiges stilistisches und inhaltliches Spektrum ab. Neben bekannten Namen wie Louise Bourgeois, Claude Cahun, Leonora Carrington, Frida Kahlo, Meret Oppenheim oder Dorothea Tanning sind zahlreiche bislang weniger bekannte Persönlichkeiten wie Toyen, Alice Rahon oder Kay Sage aus mehr als drei Jahrzehnten surrealistischer Kunst zu entdecken. Sie werden in der Schirn jeweils mit einer repräsentativen Auswahl ihrer Arbeiten vorgestellt. Die Ausstellung spiegelt zudem Netzwerke und Freundschaften zwischen den Künstlerinnen in Europa, den USA und Mexiko. Für die Präsentation konnte die Schirn bedeutende Leihgaben aus zahlreichen deutschen und internationalen Museen, öffentlichen wie privaten Sammlungen gewinnen und in Frankfurt zusammenführen, u. a. aus dem Metropolitan Museum of Art, New York; der Tate, London; den National Galleries of Scotland, Edinburgh; dem Centre Pompidou, Paris; dem Musée d’art moderne de la ville de Paris; dem Musée national Picasso, Paris; dem Kunstmuseum Bern; dem Kunstmuseum Basel; dem Moderna Museet, Stockholm; dem mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien, und dem Museum de Arte Moderno, Mexiko-Stadt.

Die Ausstellung „Fantastische Frauen. Surreale Welten von Meret Oppenheim bis Frida Kahlo“ konnte dank der Unterstützung des Kulturfonds Frankfurt RheinMain und der Dr. Marschner Stiftung realisiert werden. Hinzu kommt die Förderung der Bank of America als Partner der Schirn 2020.

„Mit der Ausstellung ‚Fantastische Frauen‘ präsentieren wir in der Schirn eine Premiere: Rund 260 Werke von 34 Künstlerinnen eröffnen unseren Besucherinnen und Besuchern eine gänzlich neue Perspektive auf die surrealistische Kunst. Es ist ein umfassender Überblick über die dezidiert weibliche Seite der Bewegung, wie er bislang noch nicht zu sehen war. Die der Ausstellung zugrundeliegende Forschung möchte dazu beitragen, dieses wesentliche Kapitel der Kunst zu vervollständigen“, erläutert Dr. Philipp Demandt, Direktor der Schirn Kunsthalle Frankfurt.
Dr. Ingrid Pfeiffer, Kuratorin der Ausstellung, betont: „In keiner künstlerischen Bewegung der Moderne spielten Frauen auch quantitativ eine solch zentrale Rolle wie im Surrealismus, und doch fehlen viele ihrer Namen und Werke bis heute oft in Publikationen und Überblicksausstellungen. Die in der Schirn präsentierten Künstlerinnen haben in unnachahmlicher Weise Ideen der Gruppe rezipiert und sie in ihren äußerst individuellen Werken weitergeführt. In der Zusammenschau werden das internationale Netzwerk, die unglaubliche Vielfalt und die beeindruckende Eigenständigkeit der bekannteren wie auch unbekannteren Künstlerinnen des Surrealismus deutlich. Denn der Surrealismus war eine Geisteshaltung, kein Stil.“

THEMEN UND KÜNSTLERINNEN DER AUSSTELLUNG

Ausstellungsimpression von FANTASTISCHE FRAUEN. SURREALE WELTEN VON MERET OPPENHEIM BIS FRIDA KAHLO,  vom 13. Februar bis 24. Mai 2020  © Schirn Kunsthalle Frankfurt, 2020, Foto: Norbert Miguletz
Ausstellungsimpression von FANTASTISCHE FRAUEN. SURREALE WELTEN VON MERET OPPENHEIM BIS FRIDA KAHLO, vom 13. Februar bis 24. Mai 2020 © Schirn Kunsthalle Frankfurt, 2020, Foto: Norbert Miguletz

Die große Überblicksausstellung erstreckt sich über die gesamte Länge beider Galerien der Schirn und stellt die Künstlerinnen des Surrealismus mit einer repräsentativen Auswahl an Werken und auch in topografischen Räumen vor. Denn viele der Künstlerinnen bildeten in den unterschiedlichen Zentren des Surrealismus Netzwerke: in Frankreich, England, Belgien, der Tschechoslowakei, der Schweiz, Skandinavien, später in den USA und Mexiko.

Gleich zu Beginn der Ausstellung präsentiert die Schirn Meret Oppenheim (1913 Berlin – 1985 Basel), die als eine der ersten surrealistischen Künstlerinnen zu frühem Ruhm gelangte. Sie bewegte sich in jungen Jahren im unmittelbaren Umfeld der Surrealisten in Paris. Die Gruppe traf sich regelmäßig, diskutierte über politische Entwicklungen ebenso wie über die damals neue Psychoanalyse, deren Erkenntnisse sie als Impulse nutzte, um die Gesellschaft mit den Mitteln der Kunst zu verändern. Bereits 1936 nahm das New Yorker Museum of Modern Art Oppenheims ikonische „Pelztasse“ in seine Sammlung auf – sie gilt bis heute als das surrealistische Objekt schlechthin. Die Schirn zeigt Werke der Künstlerin aus den 1930er- bis 1970er-Jahren, darunter Skulpturen wie Urzeit-Venus (1933/62) und Gemälde, etwa Das Auge der Mona Lisa (1967). Die offiziellen Mitglieder der surrealistischen Gruppe um André Breton waren zunächst Männer, ab den 1930er-Jahren stießen zahlreiche Künstlerinnen dazu und beteiligten sich an den internationalen Surrealismus-Ausstellungen, etwa in New York (1936), Paris (1936 und 1938), Tokyo (1937), Amsterdam (1938) und Mexiko-Stadt (1940). Man kann von verschiedenen Generationen des Surrealismus sprechen: Die Künstlerinnen waren meist jünger, viele ihrer Hauptwerke entstanden daher in den 1940er- und 1950er-Jahren. Obwohl bis in die 1960er-Jahre weitere Ausstellungen der Gruppe stattfanden und sie sich erst 1969 auflöste, sahen zahlreiche Chronisten den Surrealismus mit dem Zweiten Weltkrieg als beendet an. Auch aufgrund dieser Erzählweise fanden die Werke der Künstlerinnen bislang zu wenig Berücksichtigung.

Le désir (das erotische Begehren) ist ein zentrales Thema des Surrealismus, der Körper der Frau ein wiederkehrendes Motiv in den Werken. Das Verhältnis der männlichen Surrealisten zu ihren Kolleginnen ist insgesamt als ambivalent zu bewerten. In vielerlei Hinsicht lehnte die Bewegung traditionell bürgerliche Vorstellungen von Familie, Sexualmoral und Eheleben ab. In den Werken der Künstler wird die Frau aber oft objektiviert, als passive Kindfrau, Fetisch oder Muse, fragmentiert oder geköpft dargestellt. Davon unterscheidet sich die Perspektive der Künstlerinnen: Zahlreiche Selbstporträts und Darstellungen der Frauen sind geprägt von einem spielerischen, selbstbewussten Umgang mit ihrem Körperbild und der weiblichen Sexualität. Die Ausstellung zeigt u. a. das Autoportrait, à l’auberge du Cheval d’Aube (1937/38) von Leonora Carrington (1917 Clayton Green – 2011 Mexiko-Stadt), in dem sie sich in der Kleidung eines jungen Mannes aus dem 18. Jahrhundert in Hosen dargestellt hat, flankiert von ihrem wiederkehrenden Alter Ego, einem Pferd, und einer Hyäne als Symbol ihres Freiheitsdrangs. Ithell Colquhoun (1906 Assam – 1988 Lamorna) malte mit Tree Anatomy (1942) eine humorvolle Umdeutung einer Vulva. Die Künstlerin Claude Cahun (1894 Nantes – 1954 Saint Helier) schuf bereits in den 1920er-Jahren ihr Hauptwerk, eine Serie von beeindruckenden und äußerst aktuellen fotografischen Selbstporträts und Fotomontagen, in der sie Androgynität und das Spiel mit Geschlechterrollen thematisierte, etwa um 1927 in Self-Portrait (I am in Training … Don’t Kiss Me). Das Werk von Leonor Fini (1907 Buenos Aires – 1996 Paris) enthält überproportional viele Männerakte, denen starke Frauenfiguren den Weg weisen wie in Dans la tour (Im Turm; 1952) oder Schutz gewähren wie in Divinité chtonienne guettant le sommeil d’un jeune homme (Erdgottheit, die den Schlaf eines Jünglings bewacht; 1946). Die Künstlerinnen rebellierten gegen geschlechtsspezifisches Rollenverhalten und präsentierten sich auch selbst mit einem betont androgynen Aussehen (Oppenheim, Cahun, Toyen) oder in unterschiedlichen Rollen und Maskeraden (Fini).

Die Surrealisten nutzten Spiele und Techniken wie die écriture automatique (automatisches Schreiben), Traumprotokolle oder Collagen, um Zugang zum Unbewussten zu eröffnen und dem Zufall Raum zu geben. Jacqueline Lamba (1910 Saint-Mandé – 1993 La Rochecorbon), Emmy Bridgwater (1906 Birmingham – 1999 Solihull) oder Unica Zürn (1916 Berlin – 1970 Paris) arbeiteten in ihrem Werk ganz zentral mit diesen Methoden. Eine eigene Sektion der Ausstellung ist den cadavres exquis gewidmet. Diese Zeichnungen oder Collagen entstanden als Gruppenspiel: Auf einem gefalteten Papier führten die Teilnehmer nacheinander die Darstellung des Vorgängers fort, ohne zu sehen, was jener kreiert hatte. Solche kollektiven Kunstwerke sollten auch den Zusammenhalt der Gruppe stärken. An diesen Spielen nahmen Mitglieder der Gruppe wie André Breton, Paul Éluard, Valentine Hugo (1887 Boulogne-sur-Mer – 1968 Paris), Jacqueline Lamba oder Yves Tanguy ebenso teil wie Laien oder Autodidakten, etwa Nusch Éluard (1906 Mulhouse – 1946 Paris).

Im Kreis der Surrealisten spielte die Auseinandersetzung mit antiker Mythologie sowie vorchristlichen und außereuropäischen Mythen und Sagen eine wichtige Rolle. Die mythische Sagengestalt des Mittelalters Melusine (Frau und Meereswesen) und die rätselhafte ägyptische Sphinx (Frau und Löwe mit Flügeln) stehen oft als Symbole für die Metamorphose, das Veränderliche, aber auch für die dämonische Verführerin und Femme fatale. Auf der Suche nach Vorbildern für ein weibliches Identitätsmodell griffen die Künstlerinnen das Motiv des Mischwesens besonders häufig auf. Die Schirn zeigt u. a. La venadita (Der kleine Hirsch; 1946) von Frida Kahlo und die Skulptur La Grande Dame (1951) von Leonora Carrington und José Horna. Die tschechische Malerin Toyen (1902 Prag – 1980 Paris) entwickelte für sich ein geschlechtsneutrales Pseudonym, abgeleitet vom französischen citoyen (Bürger). Ihr ging es nicht um Gegensätze zwischen männlich und weiblich, animalisch und menschlich, sondern um Ähnlichkeiten. In Le Paravent (1966) setzt sie einen Mund an die Stelle des Geschlechts der weiblich anmutenden Figur und schafft eine Szene, die zwischen Begehren und Furcht changiert.

Während des Zweiten Weltkriegs emigrierten viele der Surrealisten, u. a. in die USA oder nach Mexiko. Eine lebendige surrealistische Szene entwickelte sich in Mexiko um Frida Kahlo (1907 Coyoacán – 1954 Mexiko-Stadt). Die Malerin kombinierte in ihrer individuellen Ikonografie Motive der präkolonialen Kultur Mexikos mit christlichen Symbolen sowie ihrer persönlichen Biografie. Sie betonte matriarchale, feministische Traditionen und trug bewusst die Tracht der Gegend um Tehuana, die für ihre von Frauen dominierte Kultur bekannt war. Die Schirn zeigt u. a. ihre Hauptwerke Autorretrato con collar de espinas y colibrí (Selbstbildnis mit Dornenhalsband; 1940) und Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos (Selbstbildnis auf der Grenze zwischen Mexiko und den USA; 1932). Zu einer zentralen Persönlichkeit in Mexiko-Stadt wurde auch die Dichterin und Malerin Alice Rahon (1904 Chenecey-Buillon – 1987 Mexiko-Stadt), die erste Frau, deren Texte 1936 in den Éditions surréalistes verlegt wurden. Unter den weiteren surrealistischen Künstlerinnen, die sich in Mexiko niederließen und sich intensiv mit der präkolumbianischen Vergangenheit, der überbordenden Natur und den mexikanischen Mythen auseinandersetzten, waren die Malerin und Schriftstellerin Leonora Carrington, die Malerin Bridget Tichenor (1917 Paris – 1990 Mexiko-Stadt) sowie Remedios Varo (1908 Anglés – 1963 Mexiko-Stadt), deren Malstil die surrealistischen Techniken der Fumage, Frottage und Décalcomanie mit der Darstellung detailreicher altmeisterlicher Figuren vereint.

Die Fotografie bot den Surrealistinnen zahlreichen Möglichkeiten, die Abbildung der Realität durch Retuschen, nachträgliches Kolorieren, Montagen und extreme Belichtungen zu verfremden und infrage zu stellen. Jane Graverol (1905 Ixelles – 1984 Fontainebleau) oder Lola Álvarez Bravo (1903 Lagos de Moreno – 1993 Mexiko-Stadt) nutzten zudem die Technik der Collage, um Widersprüchliches zu verbinden. Gerade unter den Fotografinnen positionierten sich einige Künstlerinnen politisch. Das Werk von Dora Maar (1907 Paris – 1997 ebenda) weist neben surrealistischen Themen, die Schirn zeigt etwa 29, rue d’Astorg (1936), ein tiefgreifendes Interesse am Zeitgeschehen auf. Neben Breton unterzeichnete sie 1934 das Manifest Appel à la lutte (Aufruf zum Kampf) gegen die erstarkenden faschistischen Strömungen. Claude Cahun war in den Jahren um 1940 aktiv im Widerstand tätig und verstarb letztlich an den Folgen einer Inhaftierung. Eine besondere Rolle nimmt Lee Miller (1907 Poughkeepsie – 1977 Chiddingly) ein, die nach ihrer surrealistischen Phase ab 1944 als Kriegsfotografin tätig war.

Auch zum surrealistischen Film leisteten Künstlerinnen wesentliche Beiträge: Die Schirn zeigt La Coquille et le clergyman (Die Muschel und der Kleriker; 1927) von Germaine Dulac (1882 Amiens – 1942 Paris), der heute als erstes surrealistisches Werk der Filmgeschichte gilt. Maya Deren (1917 Kiew – 1961 New York) war eine Hauptakteurin der US-amerikanischen filmischen Avantgarde der Nachkriegszeit. Mit Filmproduktionen wie Meshes of the Afternoon (1943) hatte sie schon zuvor gegen die vorherrschenden Erzählstrukturen Hollywoods, in denen Weiblichkeit zumeist von einem männlichen Standpunkt aus beleuchtet wurde, gearbeitet.

Einige der vorgestellten Künstlerinnen waren nur kurzzeitig mit dem Surrealismus verbunden. Die US-amerikanische Künstlerin Dorothea Tanning (1910 Galesburg – 2012 New York) wandte sich in der Zwischenkriegszeit dem Surrealismus zu, um eine alternative Erzählung für die Kunst, die Gesellschaft und sich selbst zu finden. Wie auch Oppenheim oder Carrington wollte sie später nicht (mehr) als Surrealistin bezeichnet werden oder ihre Werke in Ausstellungen nur mit Arbeiten von Frauen zeigen. Die Künstlerinnen des Surrealismus betrachteten sich als Individuen, die unabhängig von ihrem Geschlecht und einer stilistischen Festlegung wahrgenommen werden wollten. Dennoch gehörten sie historisch zur surrealistischen Bewegung und spielten in dem in der Schirn vorgestellten Netzwerk eine zentrale Rolle.

Den Schlusspunkt und gleichzeitig Ausblick der Ausstellung bildet das Werk von Louise Bourgeois (1911 Paris – 2010 New York), die sich in ihren Gemälden, etwa der Serie Femme maison (1945-47), und ihrer skulpturalen Objektkunst intensiv mit Sexualität und weiblicher Identität auseinandersetzte. Sie gehörte derselben Generation von Künstlerinnen an wie Meret Oppenheim; die Rezeption ihres Werkes begann aber erst viel später. Es wird heute eher der Gegenwartskunst zugeordnet.

Eine Ausstellung der Schirn Kunsthalle Frankfurt in Kooperation mit dem Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk.

DIE KÜNSTLERINNEN DER AUSSTELLUNG Eileen Agar, Lola Álvarez Bravo, Rachel Baes, Louise Bourgeois, Emmy Bridgwater, Claude Cahun, Leonora Carrington, Ithell Colquhoun, Maya Deren, Germaine Dulac, Nusch Éluard, Leonor Fini, Jane Graverol, Valentine Hugo, Frida Kahlo, Greta Knutson, Jacqueline Lamba, Sheila Legge, Dora Maar, Emila Medková, Lee Miller, Suzanne Muzard, Meret Oppenheim, Valentine Penrose, Alice Rahon, Edith Rimmington, Kay Sage, Sophie Taeuber-Arp, Jeannette Tanguy, Dorothea Tanning, Bridget Tichenor, Toyen, Remedios Varo, Unica Zürn.

katalog-fantastische-Frauen-Hirmer-verlag250KATALOG FANTASTISCHE FRAUEN. SURREALE WELTEN VON MERET OPPENHEIM BIS FRIDA KAHLO, herausgegeben von Ingrid Pfeiffer. Mit einem Vorwort von Philipp Demandt, SCHIRN, und Poul Erik Tøjner, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk. Mit Beiträgen von Patricia Allmer, Tere Arcq, Kirsten Degel, Heike Eipeldauer, Annabelle Görgen-Lammers, Rebecca Herlemann, Karoline Hille, Silvano Levy, Alyce Mahon, Christiane Meyer-Thoss, Laura Neve, Ingrid Pfeiffer, Gabriel Weisz Carrington sowie Biografien der einzelnen Künstlerinnen und farbigen Ansichten der Werke. Deutsche und englische Ausgabe, je 420 Seiten, 350 Abb., 24 x 29 cm, Hardcover, Hirmer Verlag, 39 € (SCHIRN), ca. 49,90 € (Buchhandel).

SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT
Römer­berg
60311 Frank­furt

Lang Lang spielt Bachs „Goldberg-Variationen“ am 1. März im Kurhaus Wiesbaden

Erst vor kurzem hat der chinesische Pianist Lang Lang die „Goldberg-Variationen“ von Johann Sebastian Bach in sein Konzertrepertoire aufgenommen. Er schlägt damit ein weiteres Kapitel seiner unvergleichlichen Karriere auf und stellt diese neue Seite in Wiesbaden vor. Seit 20 Jahren steht er an der Spitze der Klavierwelt – aber stehengeblieben ist er dabei nie. Er verändert sich, arbeitet hart an sich, geht neue Wege. Auch sein Repertoire erweitert er ständig. Dass er dabei äußerst gewissenhaft und mit großem Respekt vor den bedeutenden Meistern der Musikgeschichte vorgeht, würde man diesem zielstrebigen Weltklassepianisten nicht unbedingt zutrauen. Mit nicht einmal 40 Jahren hat er schließlich alles erreicht, was zu erreichen ist. Aber „nicht alle Dinge im Leben bekommt man durch Willen und Anstrengung“, weiß auch Lang Lang. Manches erfordert Geduld und Zeit. Für Bachs „Goldberg-Variationen“ hat er sich eine lange Zeit der Annäherung gegönnt. Dieses 1742 erschienene Werk ist in puncto äußerem Umfang und innerer Vielfalt ein kaum zu überbietendes Meisterwerk. Obgleich es sich bei dieser Gelegenheitskomposition um ein Kompendium aller wesentlichen Cembalotechniken der Zeit handelt, hat das Werk mit technischen Übungen im Sinn von trockenen Etüden rein gar nichts gemein. Vielmehr gewinnt es seine Kraft aus der Lust an der Konstruktion, sprüht vor Einfallsreichtum und Virtuosität und ist ein rationales, auf Zahlen gründende Struktur und Disposition verbindendes Werk. Obgleich jede einzelne Variation auch für sich Hörgenuss verspricht, erhöht sich der Reiz, wenn man das ganze Werk hört und das ausgeklügelte architektonische Prinzip der Bach’schen Gesamtanlage durchschaut.

Sonntag, 01.03.2020 | 19.00 Uhr | Kurhaus Wiesbaden
Lang Lang Klavier

Robert Schumann · Arabeske für Klavier C-Dur op. 18
Johann Sebastian Bach · Aria mit 30 Veränderungen BWV 988 „Goldberg-Variationen“

Karten zu: 186,- / 152,- / 113,- / 96,- / 67,- Euro
*zzgl. System- und Servicegebühr

Karten sind bei Wiesbaden Musik (www.wiesbaden-musik.de / Tel. 06723 – 60 21 70) sowie an allen angeschlossenen Vorverkaufsstellen – darunter die Tourist Information Wiesbaden und die Ticketbox im Galeria Kaufhof – erhältlich.

Rosenmontagszug 2020 startet am 24.2. um 11.11 Uhr unter dem Motto „Humor ist Meenzer Lebensart, mit Herz und Toleranz gepaart!“

Rosenmontagszug 2020 am 24.Februar

© Foto: Diether v Goddenthow
© Foto: Diether v Goddenthow

Unter dem Motto „Humor ist Meenzer Lebensart, mit Herz und Toleranz gepaart“ startet  am 24.2.2020 der 118. Rosenmontagszug seit Gründung des Mainzer Carneval-Vereins 1838 e.V. mit rund 9480 Aktiven und einer Zuglänge von 9 Kilometern durch die Mainzer Innenstadt auf dem unveränderten bekannten Zugweg:  So macht sich der aus 162 Wagen mit 2030 Mitfahrenden, 4714 Gardisten und 69 Musikgruppen  mit 2140 Musikern  und Reiternarren bestehende Lindwurm von der
Boppstraße aus über: Kaiserstraße – Stadthaus – Kaiserstraße (rund um Christuskirche) – Bauhofstraße – Große Bleiche – Große Langgasse – Ludwigsstraße – Theater/ Gutenbergplatz – Domplätze – Rheinstraße – Holzhofstraße / Schifffahrtsmuseum – Weißliliengasse bis Ludwigsstraße – Schillerplatz / Fastnachtsbrunnen – Schillerstraße und endet das am Münsterplatz in Richtung Binger Straße / Bahnhofstraße.

Es werden wieder 500 000 Besucher erwartet. Im gesamten Bereich des Fastnachtsumzugs herrschen Glas- und Drohnenverbot. Im Rahmen des Sicherheitskonzeptes wird die Polizei Beobachtungsdrohnen sowie Videokameras einsetzen. Es herrscht LKW-Fahrverbot. Ab 10.00 Uhr ist die Innenstadt für den Autoverkehr weitestgehend gesperrt. Parkhäuser sind nur eingeschränkt anzufahren. Es wird empfohlen mit dem Öffentlichen Nahverkehr anzureisen.

Alle weiteren Informationen zur Mainzer Strassenfastnacht hier:

Kein „regelrechter Heimatschriftsteller“ – Zum Tode von Ror Wolf

(rap) Nach mehr als 30 Umzügen landete er im Jahre 1990 schließlich in Mainz. Und doch sah er sich selbst nie als „regelrechten Heimatschriftsteller“. 1997, in seiner Dankesrede zur Vergabe des rheinland-pfälzischen Kunstpreises, sagte Ror Wolf: „Ein regelrechter Heimatschriftsteller bin ich nicht gerade. Ich kann auch anderswo schreiben. Ich kann an jedem denkbaren Platz der bewohnten Welt schreiben. Ich habe zwei Jahre im 13. Stock eines Gonsenheimer Hochhauses geschrieben, und Sie dürfen sicher sein, dass fast alles, was damals im 13. Stock eines Gonsenheimer Hochhauses zu hören war, in meinen Büchern steht. Ich habe außerordentliche Erfahrungen gemacht mit den Geräuschen, die man natürlich nicht nur in Gonsenheim hört, sondern in sämtlichen Hochhäusern der Welt. Das ist nichts Heimatspezifisches.“

Und doch, Mainz, seine letzte Wahlheimat und das rheinhessische Umland, müssen ihn tief geprägt haben: „… So ging ich weiter nach Olm, unter der ungeheuren Wolkenverwüstung hinweg, über dicke Geschwülste auf diesen randlosen Wegen, aus denen meterlang bleich aus der Tiefe die Olme krochen, durch diesen wurmweichen, sturmreichen Wald. Ein nahezu schaumiger Himmel, eine struppig behaarte Landschaft, eine ich glaube fauchende Landschaft; …“ (Aus: Im mondlosen Olm. Wortbrüche.)

Ror Wolf wurde 1932 als Richard Georg Wolf in Saalfeld/Thüringen geboren. Nach seinem Weggang aus der DDR, wo man ihm die Aufnahme eines Studiums verweigert hatte, nahm er an der Universität in Frankfurt am Main das Studium der Literatur, Soziologie sowie Philosophie auf. Rasch begann er, in der Studentenzeitung Diskus Prosa, Lyrik und Bildcollagen, aber auch Literatur-, Theater- und Jazz-Kritiken zu publizieren. Wolf wurde Feuilletonredakteur beim Diskus – und später Literaturredakteur beim Hessischen Rundfunk. Seit 1963 war er freier Schriftsteller.

Wolfs literarisches Schaffen war eine spielerische, doch abgründige Auseinandersetzung mit der Wirklichkeit, die bei ihm nur als hochmelodiöser Wortraum existiert. Dennoch sind seine Bücher, die die Grenzen traditioneller Erzählmuster souverän in Frage stellen, nicht lediglich Sprachspiele ohne Realitätsbezug. Auf wie viel Wirklichkeit sich Wolf einließ, zeigen seine populären Fußballbücher und die dazugehörenden Radio-Collagen sehr deutlich. Auch mit seinen Hörspielen war er höchst erfolgreich: „Leben und Tod des Kornettisten Bix Beiderbecke aus Nordamerika“ wurde 1988 mit dem Hörspielpreis der Kriegsblinden ausgezeichnet und gilt als eines der erfolgreichsten deutschen Hörspiele. Das Werk von Ror Wolf wurde mit zahlreichen Literaturpreisen ausgezeichnet, darunter der Georg-K.-Glaser-Preis des Landes Rheinland-Pfalz und des SWR 2014.

Marianne Grosse, Kulturdezernentin der Landeshauptstadt Mainz, sagte zum Tod von Ror Wolf: „Ein sprachmächtiger Literat und Lyriker hat Mainz verlassen. Wir verlieren mit Ror Wolf einen Autor, der von sich selbst sagte, zwar kein Mainzer Autor zu sein, aber ein in Mainz lebender Autor, der gern in Mainz lebt. Und dies spürt man in seinen Schriften. Sein großartiges Werk, in dem auch Mainz, Rheinhessen und unsere Lebensart ihren Niederschlag fanden, wird in Mainz noch lange nachhallen.“

Hinweis
Die Wissenschaftliche Stadtbibliothek Mainz (Rheinallee 3 B) hat zum Gedenken an Ror Wolf einen Büchertisch eingerichtet, der ab sofort bis zum 13. März 2020 entleihbare Werke von Ror Wolf präsentiert.

Scheuer begräbt die Mautmilliarden, Klöckner steigt ins Nestle – MCV präsentiert die schrägsten Motivwagen für den Mainzer Rosenmontagszug 2020

Julia macht ’nen Video-Clip und denkt, damit sei sie jetzt hip, lobt Nestlé über jedes Maß, für ihr’n „gesunde“ Fertigfraß. Zugnummer 9 „Julias Liebesnestle“ © Foto: Diether v Goddenthow
Julia macht ’nen Video-Clip und denkt, damit sei sie jetzt hip, lobt Nestlé über jedes Maß, für ihr’n „gesunde“ Fertigfraß. Zugnummer 9 „Julias Liebesnestle“ © Foto: Diether v Goddenthow

Politisch war die Mainzer Fastnacht schon immer. Doch in diesem Jahr lagen die Themen für die Wagenbauer quasi auf der Strasse,  so dass es dem Wagenbauer Team um Dieter Wenger gar nicht so leicht fiel, die richtige Wahl zu treffen. Dies ist ihnen jedoch in hervorragendster Weise gelungen und sie haben mit feinsinnigem Humor und hoher professioneller künstlerische Könnerschaft die „schönsten“ politischen Katastrophen  in meterhohen Figuren und Wagenaufbauten   satirisch auf den Punkt gebracht.

Heute, traditionell am Dienstag vor Fastnacht, war Probelauf vor kritischer Presse  in der Wagenhalle des Mainzer Carneval-Verein (MCV) in Mainz-Mombach. Alle 12 Motivwagen  haben bestens bestanden:  Da steigt  Agrar-Ministerin Julia Klöckner vor laufenden Kameras mit der Lebensmittelindustrie ins Nestle. Verkehrsminister Scheuer beerdigt seine Maut-Millionen, indem er übergroße Geldscheine schaufelweise ins Grab befördert.

Eins ist klar, Ihr liebe Leit: Mit „Klein-Klein“ kommt man nicht weit! Für das, was man uns wollt’ verkaufe, würd’ Greta sich die Zöpfe raufe.Zugnummer 46 „Der große Wurf!“ © Foto: Diether v Goddenthow
Eins ist klar, Ihr liebe Leit:
Mit „Klein-Klein“ kommt man nicht weit!
Für das, was man uns wollt’ verkaufe, würd’ Greta sich die Zöpfe raufe.Zugnummer 46 „Der große Wurf!“ © Foto: Diether v Goddenthow

Merkels Klima-Paket erleidet das gleiche Schicksal wie die Matroschka-Puppen: Es wird kleiner und kleiner und kleiner und … bis am Ende eine böse Mini-Greta der Kanzlerin grimmig ins Gesicht blickt.
Annegret Kramp-Karrenbauer, die Noch-CDU-Chefin, verschwindet im übergroßen Merkelmantel, gestoppt von der Thüringer CDU.

Thüringen - ein Flop zu viel, für "AKK" ist aus das Spiel. So kam die Wahrheit nun ans Licht: Die "Konfektionsgröß`" passte nicht! Zugnummer 65 „Es Annegret“ © Foto: Diether v Goddenthow
Thüringen – ein Flop zu viel, für „AKK“ ist aus das Spiel. So kam die Wahrheit nun ans Licht: Die „Konfektionsgröß`“ passte nicht! Zugnummer 65 „Es Annegret“ © Foto: Diether v Goddenthow

Angesichts der dramatischen Verluste in Umfragen und Wahlergebnissen der letzten Jahre, scheint Artenschutz für SPD, die sich auf der „Roten Liste“ aussterbender Arten befindet, angeraten. Und es muss dringend Nachwuchs her. So versucht SPD-Interims-Vorsitzende Malu Dreyer der schrumpfenden SPD etwas über Fortpflanzung beizubringen, jedoch vergeblich!

Die SPD in großer Not, vor Augen den Patienten-Tod! Da plante man – es ist zum lache – e Führungs-Duo, des soll’s mache. Des Duo muss, derf sich nicht ziere, den eigne Nachwuchs produziere. Zugnummer 102 „So geht’s“ © Foto: Diether v Goddenthow
Die SPD in großer Not, vor Augen den Patienten-Tod! Da plante man – es ist zum lache – e Führungs-Duo, des soll’s mache. Des Duo muss, derf sich nicht ziere, den eigne Nachwuchs produziere. Zugnummer 102 „So geht’s“ © Foto: Diether v Goddenthow

 

Auch außenpolitisch teilen die Mainzer heftig aus: „Not amused“, Zugnummer 7, zeigt die Freakshow des britischen Horrorclowns Borris Johnson: Es streckt der europafreundlichen mit erstarrtem Gesicht dreinblickenden Queen seinen blanken Arsch entgegen, während aus ihrer Handtasche ein Asylantrag ragt.

Es blödelt durch die Politik, der Hofnarr mit der blond’ Perrick! Es ist gar schrecklich anzuschau’n: Queen Lisbeth mit ihr’m Horrorclown. Zugnummer 7 „Not amused“ © Foto: Diether v Goddenthow
Es blödelt durch die Politik, der Hofnarr mit der blond’ Perrick! Es ist gar schrecklich anzuschau’n: Queen Lisbeth mit ihr’m Horrorclown. Zugnummer 7 „Not amused“ © Foto: Diether v Goddenthow

Aufgespießt wird auch das Spiel der Autokraten dieser Welt: Weil’s innenpolitisch nicht mehr so läuft, versucht Erdogan seine ramponierte Autorität durch einen Einmarsch in Nord-Syrien wieder herzustellen und von allem anderen abzulenken. Stolz sitzt er in seinem Panzer und präsentiert sich als Feldherr – doch er darf das nur, weil der eigentliche Boss in Syrien ihn lässt: Wladimir Putin, der mit einer Fernbedienung Erdogan zu steuern scheint.

Es war einmal ein Erdogan, der träumt, er würd’ den Panzer fahr’n. Doch steuert ihn, das sehen wir, der machtbesess’ne Wladimir. Zugnummer 89 „Putins Panzerfahrer“ © Foto: Diether v Goddenthow
Es war einmal ein Erdogan, der träumt, er würd’ den Panzer fahr’n. Doch steuert ihn, das sehen wir, der machtbesess’ne Wladimir. Zugnummer 89 „Putins Panzerfahrer“ © Foto: Diether v Goddenthow

US-Präsident Donald Trump, vom Cesarenwahn befallen, gießt Öl ins Feuer der brennenden Welt. Sich wie Nero an seinen Taten ergötzend, twittert er auf einer antiken Lyra der Welt sein Selbstlob.

Abgehoben und entrückt, wie Nero einst von sich entzückt, so twittert Trump sich seine Welt, in der er sich für’n Cäsar hält. Zugnummer 28 „Oh lodernd Feuer“ © Foto: Diether v Goddenthow
Abgehoben und entrückt, wie Nero einst von sich entzückt, so twittert Trump sich seine Welt, in der er sich für’n Cäsar hält. Zugnummer 28 „Oh lodernd Feuer“ © Foto: Diether v Goddenthow

Auf den Punkt  auch der  fernöstliche „Streetfood“-Wagen. Er thematisiert den Freiheitskampf der Hong-Konger Regenschirmbewegung gegen immer schärfere Gesetze und Unterdrückungsmaßnahmen des benachbarten roten chinesischen Drachens.

„Ich bin groß und Du bist klein, so verleib’ ich Dich mir ein!“ Das denkt der Drache voller Gier, doch wehrt sich dieses Männlein hier. Zugnummer 38 „Streetfood“ © Foto: Diether v Goddenthow
„Ich bin groß und Du bist klein, so verleib’ ich Dich mir ein!“ Das denkt der Drache voller Gier, doch wehrt sich dieses Männlein hier. Zugnummer 38 „Streetfood“ © Foto: Diether v Goddenthow

Als zusätzliches Motiv wird beim Rosenmontagszug auch ein Wagen der Generaldirektion Kulturelles Erbe RheinlandPfalz (GDKE) dabei sein, die in diesem Jahr das Kaiserjahr ausruft, um hinzuweisen auf die kommende Mittelalter-Ausstellung „Die Kaiser und die Säulen ihrer Macht. Von Karl dem Großen bis Friedrich Barbarossa“, die ab 9. September 2020 im Landesmuseum Mainz gezeigt wird. Das närrische Motto lautet: Karl der Große wirkt ganz benommen – wenn im Herbst die Kaiser kommen. – Die Insignien der Macht, wie sollte es anders sein, – sind in Mainz natürlich Weck, Worscht und Wein.

Die Säulen der Macht: Weck, Worscht und Wein. © Foto: Diether v Goddenthow
Die Säulen der Macht: Weck, Worscht und Wein. © Foto: Diether v Goddenthow

 

 

 

Markenzeichen des Mainzer Rosenmontagszug

Seit 55 Jahren bauen Dieter Wenger und sein Team die Motivwagen. Sie sind seit Anbeginn ein ganz wesentlicher Aspekt und Markenzeichen des Mainzer Rosenmontagszugs. Herrlich humorvoll mit satirischen Seitenhieben
gespickt, nehmen sie Ereignisse und Persönlichkeiten auf die närrische Schippe. Mit der Planung und dem Bau der Motivwagen wird bereits im Herbst des jeweiligen Vorjahres angefangen. Über die Motivwagen im Rosenmontagszug entscheidet die Zugleitung des MCV. Jedes Jahr stimmt sie in einer Sitzung über die Ideen und Entwürfe ab, mit denen die aktuelle Politik karikiert werden soll. Zeichnerisch umgesetzt hat sie wie schon im vergangenen Jahr Michael Apitz. Ist die endgültige Entscheidung gefallen, werden die Plastiken in der Wagenhalle des MCV in Mombach gebaut und die passenden Verse geschmiedet. Veranstalter der Mainzer Straßenfastnacht ist der Mainzer Carneval-Verein 1838 e.V. (MCV).

Vorbesichtigung der Motivwagen auf der Ludwigstrasse am 23.Februar
Alle Motivwagen werden am Fastnachtssonntag, 23. Februar 2020, in der Innenstadt auf der Ludwigsstraße im Rahmen der Gardenparaden-Veranstaltung „Tanz auf der Lu“ mit 1737 Gardisten, 700 Musikern und 35 Pferden aufgestellt und der Öffentlichkeit präsentiert.

Rosenmontagszug 2020 am 24.Februar

© Foto: Diether v Goddenthow
© Foto: Diether v Goddenthow

Unter dem Motto „Humor ist Meenzer Lebensart, mit Herz und Toleranz gepaart“ startet dann am Rosenmontag 2020 der 118. närrische Zug seit Gründung des Mainzer Carneval-Vereins 1838 e.V. durch die Straßen der Stadt. In der Boppstraße macht sich der vierfarbbunte Lindwurm traditionell um 11:11 Uhr auf seine rund sieben Kilometer lange Strecke mit 4714 Gardisten, 2139 Musikern in 69 Musikzügen und 162 Wagen mit nochmals 2030 Mitfahrenden sowie 50 Pferden, darunter das Highlight, der Sechsspänner der Mainzer Ranzengarde.

Alle Informationen zur Mainzer Strassenfastnacht hier:

14. März 2020 im Zentrum Baukultur (ZBK) Wohnprojektetag Mainz

© ZBK Mainz
© ZBK Mainz

Im Zentrum Baukultur präsentieren sich am Samstag, den 14. März, von 14 bis 18 Uhr, die in Mainz aktiven Wohn- und Baugruppen und stellen den Stand der Planungen zu ihren Bauprojekten vor. Zum Wohnprojektetag begrüßen Finanz- und Bauministerin Doris Ahnen, Oberbürgermeister Michael Ebling sowie Bau- und Kulturdezernentin Marianne Grosse. Interessierten Mainzern bieten sich Raum und Gelegenheit, die Szene unverbindlich kennenzulernen oder sich Baugruppen anzuschließen. Mainzer Architekten sind eingeladen, sich und ihre Angebote für Baugruppen zu präsentieren. Zudem wird die Beratungsinfrastruktur der Stadt Mainz und des Landes Rheinland-Pfalz vorgestellt.
Zu diesem Netzwerktreffen laden die Stadt Mainz und das Zentrum Baukultur herzlich ein!

Weitere Infos hier!

»O sink hernieder, Nacht der Liebe« – Internationale Maifestspiele Wiesbaden vom 1. bis 31. Mai 2020

© Foto: Diether v Goddenthow
© Foto: Diether v Goddenthow

Vom 1. Mai bis 31. Mai 2020 finden die Internationalen Maifestspiele unter der künstlerischen Leitung von Uwe Eric Laufenberg am Hessischen Staatstheater Wiesbaden statt. Das Festspiel-Programm mit über 50 Veranstaltungen steht in diesem Jahr unter dem Motto »O sink hernieder, Nacht der Liebe«, entnommen aus Richard Wagners »Tristan und Isolde«. Zur feierlichen Eröffnung ist im Einklang mit dem diesjährigen Motto die Oper »Tristan und Isolde« in der Inszenierung von Uwe Eric Laufenberg und unter der Musikalischen Leitung von Generalmusikdirektor Patrick Lange zu erleben. Die Titelpartien am Premierenabend übernehmen Lance Ryan und Catherine Foster, die vor allem durch ihre Interpretation der Brünnhilde bei den Bayreuther Festspielen und anderen Rollen des schweren dramatischen Fachs wie Elektra, Turandot und Isolde weltweit bekannt wurde. Die Partie des König Marke übernimmt René Pape. In den Vorstellungen am 21. & 31. Mai werden Andreas Schager als Tristan und Tobias Kehrer als König Marke zu erleben sein.

Am 8. Mai ist ein besonderes Friedenskonzert »War Requiem« op. 66 von Benjamin Britten zu erleben. Unter der gemeinsamen Schirmherrschaft des Hessischen Ministerpräsidenten Volker Bouffier, des Präsidenten des Hessischen Landtages Boris Rhein und des Wiesbadener Oberbürgermeisters Gert-Uwe Mende wird damit anlässlich des 75. Jahrestages des Kriegsendes zu einem besonderen Gedenken aufgerufen.

Die Jungen Maifestspiele, das Programm für das junge Publikum, erstrecken sich in diesem Jahr über den gesamten Festspielzeitraum und vereinen internationale, nationale und regionale Gastspiele mit Premieren und Höhepunkten aus dem eigenen Haus.

»Die Internationalen Maifestspiele sind etwas ganz Besonderes. Sie sind ein Höhepunkt im kulturellen Leben der Landeshauptstadt Wiesbaden und aus der Kulturlandschaft nicht wegzudenken. Die Festspiele bieten wunderbare kulturelle Vielfalt und sind zudem ein wahrer Besuchermagnet. Ich bin sicher, dass die Zuschauerinnen und Zuschauer viel Vergnügen haben werden.

In diesem Jahr wird anlässlich des 75. Jahrestags des Kriegsendes ein ganz besonderes Friedenskonzert zum Gedenken aufgeführt. Intoleranz, Hass und Gewalt waren die Ursachen für diesen Krieg, der Millionen von Menschen das Leben gekostet und zu millionenfachem Mord in deutschen Vernichtungslagern geführt hat. Wir sind in der Pflicht dieses Grauen nie zu vergessen«, sagt Oberbürgermeister Gert-Uwe Mende.

Die Kooperation mit der Caligari FilmBühne bleibt eine feste Größe bei den Internationalen Maifestspielen 2020. Drei Filme werden begleitend zum Programm der Festspiele gezeigt.

Die Internationalen Maifestspiele 2020 werden durch die Unterstützung der Landeshauptstadt Wiesbaden, des Landes Hessen und des Förderkreises der Internationalen Maifestspiele e.V. ermöglicht. Das Programm der Jungen Maifestspiele fördert die Nassauische Sparkasse. Das Magazin sensor präsentiert die Tanz-Rap-Oper »The Nose«. Autopartner der Internationalen Maifestspiele ist das Autohaus Löhr Automobile Wiesbaden.

Auch in diesem Jahr gibt es wieder die Wiesbaden Besucher-Pakete in Zusammenarbeit mit Wiesbaden Marketing. Die Rund-um-Sorglos-Pakete enthalten Hotelübernachtungen, Eintritt in ausgewählte Operngalavorstellungen und weitere kleine Überraschungen.

Die Buchung der Wiesbaden Besucher-Pakete erfolgt telefonisch unter 0611.17 29 777, per E-Mail an hotel@wiesbadenmarketing.de, oder online unter www.wiesbaden.de/tourismus.

Der Kartenvorverkauf startete am Freitag, den 14. Februar 2020 um 15.30 Uhr. Karten sind an der Theaterkasse, telefonisch unter 0611.132 325 oder online unter www.maifestspiele.de erhältlich.

Detailliertes Programm:

Oper / Konzerte
Das Motto der diesjährigen Internationalen Maifestspiele – »O sink hernieder, Nacht der Liebe« – entstammt der Eröffnungsproduktion »Tristan und Isolde«. Richard Wagner unterscheidet
darin zwischen einer rationalen Tag- und einer ihr entgegengesetzten irrationalen, rauschhaften Nachtwelt. Die Wahl dieses Mottos ist ein Bekenntnis dazu, dass die Kunst (wie auch die Liebe) anderen Regeln folgt als denen der Alltagswelt. Entsprechend spannt sich das Musiktheater-Programm der Maifestspiele gleichsam zwischen den nächtlichen Polen des Lebens auf: zwischen der weltauslöschenden Liebe von Tristan und Isolde, den albtraumdurchwirkten Nächten der Klytämnestra in »Elektra« und der irritierend-surrealen Begegnung mit der verlorenen eigenen Nase in der Tanz-Rap-Oper »The Nose«.

Die Premiere von Richard Wagners »Tristan und Isolde« in der Inszenierung von Uwe Eric Laufenberg und unter der Musikalischen Leitung von GMD Patrick Lange eröffnet die diesjährigen Internationalen Maifestspiele mit einer Bayreuth-erfahrenen Starbesetzung. Catherine Foster übernimmt die Partie der Isolde, Lance Ryan, Andreas Schager den Tristan. Als König Marke sind René Pape und in späteren Mai-Vorstellungen Tobias Kehrer zu erleben.

Catherine Foster widmet sich auch der Partie der Elektra mit einer Darstellungskraft und Stimme, die Gänsehaut hervorrufen. In der Inszenierung von Magdalena Weingut und unter der Musikalischen Leitung von Marius Stieghorst singen als weiterer Stargast der lettische Bassbariton Egils Siliņš als Orest sowie Dalia Schaechter als Klytämnestra und Johanni van Oostrum als Chrysothemis.

In »Der fliegende Holländer« übernimmt Michael Volle, der zu den wichtigsten Sängern im Wagner-Fach und Liedinterpreten zählt, die Titelpartie. In der Inszenierung von Michiel Dijkema und unter der Musikalischen Leitung von GMD Patrick Lange gibt zudem Gabriela Scherer als Senta ihr Rollen- und Hausdebüt.

In Georges Bizets Publikumsliebling »Carmen« in der Inszenierung von Uwe Eric Laufenberg und Kristiina Poska am Pult sind gleich drei internationale Stars zu erleben: Für die Rolle des Escamillo kommt der gefragte russische Bariton Alexey Markov, den Don José gibt Brandon Jovanovich, und in der Titelrolle dürfen wir uns auf Annalisa Stroppa freuen. Mit Anja Harteros erwartet das Publikum in »Der Rosenkavalier« in der Inszenierung von Nicolas Brieger und unter der Musikalischen Leitung von GMD Patrick Lange eine Marschallin mit großer Eleganz. Die gefeierte Strauss-Interpretin Daniela Fally übernimmt die Partie der Sophie. Als Herr von Faninal ist Jochen Schmeckenbecher zu erleben. In der fantasievollen Tanz-Rap-Oper »The Nose« von der aus Südafrika stammenden Hamburger Choreografin Jessica Nupen wird Nikolai Gogols Fabel neu interpretiert. Die Musik für das Projekt mit einem internationalen Ensemble aus tanzenden Sänger*innen und singenden Tänzer*innen komponiert der kanadische Musiker und Rapper Josh »Socalled« Dolgin.

Anja Harteros übernimmt unter der Musikalischen Leitung von GMD Patrick Lange in »Tosca « die Titelpartie. In der Rolle des Kunstmalers Mario Cavaradossi ist der italienische
Tenor Massimo Giordano zu erleben.

Mit dem Konzertabend »Let’s Misbehave!« wagt die tschechische Mezzosopranistin Magdalena Kožená zusammen mit Tschechiens führender Swing-Band Ondřej Havelka & His Melody Makers einen Ausflug in den Bereich der »leichten Muse« mit Songs von Cole Porter. Chris Pichler und die Kammermusikvereinigung des Hessischen Staatstorchesters Wiesbaden präsentieren in »Tristan« die Novelle von Thomas Mann in musikalischer Umrahmung.

Mit Benjamin Brittens »War Requiem« op.66 ist anlässlich des 75. Jahrestages des Kriegsendes am 8. Mai ein ganz besonderes Friedenskonzert zu erleben. Das Konzert findet mit Unterstützung zahlreicher Institutionen statt. Besonders erwähnt seien hierbei das Land Hessen, der Hessische Landtag, die Konzertorte Wiesbaden, Hanau und Darmstadt,
der Kulturfond Rhein-Main sowie die Hans Erich und Marie Elfriede Dotter-Stiftung. Der musikalisch-literarische Abend »Musik war Hoffnung ‒ Wider das Vergessen« mit Herman Beil und dem Merlin Ensemble Wien erinnert am 10. Mai an die Opfer des Nationalsozialismus, unter denen Komponisten wie Viktor Ullmann und Hans Krása waren. Zuvor, am 9. Mai, zeigen die Musiker des Merlin Ensembles und der Physiker Harald Lesch mit Vivaldis »›Vier Jahreszeiten‹ im Klimawandel« die Brisanz der globalen Erwärmung auf.

Mit »Gender Stories« begibt sich die lautten compagney Berlin zusammen den amerikanischen Opernstars Vivica Genaux und Lawrence Zazzo mitten hinein in die turbulente Travestie der Geschlechter im Barock. Eine weitere Spezialistin im Bereich Alte Musik ist Sopranistin Dorothee Mields, die mit dem Wiesbadener Ensemble Mattiacis und Vokal- und Instrumentalmusik des italienischen Barock zu erleben ist.

Zum 250. Geburtstag von Beethoven spielen Klazz Brothers & Cuba Percussion seine Meisterwerke tanzbar neu arrangiert: »Beethoven meets Cuba«. Neue Beethoven-Klänge bringt auch das Konzert des Marimbaquartetts »The Wooden Anvil« und ihrem »BEETHOVEN: Portrait in Percussion«. Das Sinfoniekonzert »WIR 6«, in dem Jörg Widmann am Pult des Hessischen Staatsorchesters eigene Werke dirigiert, ist Beginn eines Widmann-Schwerpunkts, der kommende Spielzeit mit der Wiesbadener Erstaufführung der monumentalen Oper »Babylon« seinen Höhepunkt hat.

Liederabende haben bei den Internationalen Maifestspielen Tradition. Die begnadete Schauspielerin und passionierte Sängerin Dagmar Manzel ist ‒ pünktlich zum Erscheinen ihrer CD »Sehnsucht« ‒ mit ihrer sehr persönlichen Lied-, Text- und Musikauswahl bei den Maifestspielen zu Gast. Florian Boesch und Justus Zeyen am Klavier laden in diesem Jahr mit Liedern von Franz Liszt, Richard Strauss und Robert Schumann in die musikalische Hochromantik ein.

Schauspiel / Lesungen
Die Schauspielproduktionen und -einladungen der Internationalen Maifestspiele folgen in diesem Jahr einer klaren Programmatik: Die herausragenden Inszenierungen, die zu sehen sein werden, vereint der Glauben daran, dass die tiefen menschlichen Konflikte durch die »reale Gegenwart« (um George Steiner zu zitieren) der dargestellten Figuren in den Schauspielern zum Ausdruck kommen können. Alle Produktionen glauben an diese Urkraft des Theaters, dass Menschen andere Menschen spielen, sich in sie verwandeln können. Dies zu betonen ist in Zeiten, in denen häufig auf den Bühnen der reale bzw. der authentische Mensch die zitierte reale Gegenwart ersetzen soll, nicht trivial. Hervorzuheben ist auch, dass zwei internationale Produktionen während der Maifestspiele gast ieren, die jeweils aus krisengeschüttelten Regionen stammen: aus Rumänien und aus Israel/Palästina.

Das Schauspielprogramm eröffnet mit einer Eigenproduktion des Hessischen Staatstheaters, die den Bogen zum Beginn der Spielzeit schlägt: Wie Daniel Kehlmanns »Tyll« spielt auch Friedrich Schillers »Wallenstein« im Dreißigjährigen Krieg, dessen schwerwiegende historische, gesellschaftliche und menschliche Umwälzungen zu unserer Gegenwart ungeahnte und unerwünschte Analogien entwickeln. Regisseur Nicolas Brieger nimmt seine Inszenierung zum Anlass, über die schicksalhafte Geschichte des charismatischen Kriegsherren Wallenstein nachzudenken, der in vielem Züge eines heutigen Staatsmannes aufweist.

In Anton Tschechows »Iwanow« in der Inszenierung des Bochumer Intendanten und vielfach preisgekrönten Regisseurs Johan Simons wird der Iwanow vom zweimaligen »Schauspieler des Jahres« und Iffland-Ringträger Jens Harzer interpretiert, der sich drei Wochen später zudem mit der Hölderlin Lesung »Hyperion« präsentiert. Das Deutsche Theater Berlin ist mit dem Schauspiel-Solo »Ismene, Schwester von« mit der Deutschen Filmpreisträgerin Susanne Wolf in der Inszenierung von Stephan Kimmig bei den Maifestspielen zu Gast.

In »Die Katze und der General« beleuchtet die Autorin Nino Haratischwili neben der irren Logik des Krieges vor allem die jüngste Vergangenheit Russlands und die Unabhängigkeitsbestrebungen Tschetscheniens. Nach »Das achte Leben (Für Brilka)« – eingeladen zu den Maifestspielen 2017 – bringt Jette Steckel den zweiten großen Roman Haratischwilis von der Bühne des Thalia Theaters mit nach Wiesbaden.

Nur alle paar Jahre bringt Regisseur Thorsten Lensing eine neue, stets frei produzierte Inszenierung heraus und greift dabei auf einen festen Stamm hochkarätiger Schauspieler wie Ursina Lardi, Devid Striesow oder auch die gebürtige Wiesbadenerin Jasna Fritzi Bauer zurück. Bei den Maifestspielen ist er mit seiner Inszenierung des Kultromans »Unendlicher Spaß« von David Forster Wallace zu Gast.

Das Deutsche Theater Berlin ist dieses Jahr mit Ulrich Matthes, einem äußerst gern gesehenen Gast bei den Maifestspielen, als Alceste in Anne Lenks Inszenierung »Der Menschenfeind« von Molière zu sehen.

Der Solo-Abend »Böhm«, bei dem Puppenspieler, Regisseur, Schauspieler und Kunstpfeifer Nikolaus Habjan mit elf äußerst lebendigen Handpuppen auf der Bühne steht, porträtiert einen der größten Dirigenten des 20. Jahrhunderts, Karl Böhm. Nicht zuletzt dessen höchst opportunistische Haltung in der Zeit des Nationalsozialismus gerät dabei in den Fokus.

In dem poetischen Ein-Frau-Stück »Dreams Die Hard« von und mit Rachel Karafistan, das von den Tagebüchern ihrer Großmutter inspiriert ist, wechseln sich Komik und Tragik in der Darstellung einer bewegten und bewegenden Nachkriegsbiografie ab. Das Ensemble des Berliner Gorki Theaters ist mit »Anna Karenina oder Arme Leute« in der Inszenierung des kroatischen Skandal-Theatermachers Oliver Frljić zu Gast bei den Maifestspielen. Die Provokation hebt sich der Regisseur diesmal allerdings bis kurz vor das Ende der Aufführung auf, bis dahin ist eine einfühlsame und klug gestraffte Tolstoi -Adaption zu sehen.

Die internationalen Gastspiele stammen aus Temeswar/Rumänien und dem palästinensischen Ramallah: In dem multidisziplinären Projekt »Tagebuch Rumänien. Temeswar«, inszeniert von Carmen Lidia Vidu, bieten sechs Schauspielerinnen des Deutschen Theaters Temeswar ganz private Einblicke in ihr Leben in Rumänien. Das anschließende Publikumsgespräch findet in Kooperation mit dem goEast-Filmfestival statt. »Palestine, Year Zero« entstand aus der Zusammenarbeit der israelischen Regisseurin Einat Weitzman und dem palästinensischen Schauspieler George Ibrahim. Die Produktion konnte nur gegen einen Zensurversuch der israelischen Kulturministerin und durch den erfolgreichen Zusammenschluss vieler israelischer Kulturschaffender in Tel Aviv gezeigt werden. Das Stück erzählt von einem Gebäudegutachter, sich anhand der Zerstörung der Häuser ein Bild über den Zustand seines Landes macht. Drei Lesungen komplettieren das Schauspielprogramm: Der Star-Schauspieler Sebastian Koch kehrt mit einer Lesung der »Traumnovelle« von Arthur Schnitzler nach Wiesbaden zurück. Musikalisch gerahmt wird der Abend mit Jazz-Klängen des Hubert Nuss Quartetts, dem sich ein prominenter Überraschungsgast zugesellen wird. Die Lieblingsstellen aus seinen Büchern liest der erfolgreiche Schauspieler und Autor Joachim Meyerhoff vor. Der gebürtige Wiesbadener Jans Harzer liest zum 250. Geburtstag Friedrich Hölderlins aus dessen Briefroman »Hyperion«, einem der schönsten Prosatexte deutscher Sprache überhaupt.

Tanz / Performance
Choreograf Serge Aimé Coulibaly und sein kosmopolitisches Ensemble des Faso Danse Théâtre interpretieren in »Kirina« das mündlich überlieferte Epos über die gleichnamige westafrikanische Schlacht aus dem 13. Jahrhundert auf moderne Weise. Die mitreißende choreografische Auseinandersetzung über Dekolonisation und Demokratie wird unterfüttert
mit einem Libretto des senegalesischen Sozialökonomen Felwine Sarr sowie Musik der malischen Sängerin Rokia Traoré, einer der führenden zeitgenössischen Stimmen Westafrikas.

»VIVA!« von dem spanischen Choreografen Manuel Liñán fordert die Grenzen des traditionellen Flamencos heraus, dabei wird die scharfe Trennung zwischen »männlich« und »weiblich« zur Disposition gestellt. Die sechs Tänzer verkörpern ein Lebensgefühl, das frei von jedwedem Sexismus die Freude am körperlichen Selbstausdruck offenbart. Der dritte Teil der Familientrilogie »Kind« der belgischen Tanzperformance-Kompanie Peeping Tom holt, changierend zwischen Märchen und Magie, zwischen Gut und Böse, die besonders dunklen Aspekte eines Entwicklungsprozesses ans Licht, der durch Gewalt, Wirklichkeit und Schein sowie den kindlichen Widerstand der Selbstfindung führt. Inspiriert von der Idee eines chaotischen Kosmos aus nordischem Mythologien hat der taiwanesische Choreograf Po-Cheng Tsai mit seiner Kompanie B.Dance einen flüchtigen Raum geschaffen, der einer endlosen, kosmischen Landschaft der Leere ähnelt. Auf der Suche nach dem tiefsten Ursprung des Seins verbindet »Innermost« kulturelle Elemente aus Ost und West.

Programm der Jungen Maifestspiele 2020

Das Programm für das junge Publikum erstreckt sich dieses Jahr über den gesamten Mai und vereint internationale, nationale und regionale Gastspiele mit Premieren und Höhepunkten aus dem eigenen Haus. Es beginnt am Samstag, den 2. Mai 2020 mit »Abbracci – Umarmungen« (4+) aus Italien, welches sich mit dem Thema Zuneigung beschäftigt. In der Wartburg lädt die Lounge »Club Classique« (16+) mit Musikern des Hessischen Staatsorchesters Wiesbaden zum Tanz im Mai im Stil der 1920er ein. Das preisgekrönte Puppenspiel »Die sieben Raben« (5+) erzählt das Märchen nah am Originaltext der Brüder Grimm mit wenigen Worten in poetischen Traum- und Klangbildern. Mit »Über Dodekaeder « (14+) hat der junge Wiesbadener Autor Sebastian Faber ein pointiertes Schauspiel über ein fiktives Theaterstück verfasst.

Vor während und nach der Premiere von »Konrad oder das Kind aus der Konservenbüchse « (6+) in der Inszenierung von Stephan Rumphorst, lädt das Junge Staatstheater zum »Mai Fest Spiel« (6+) auf den Warmen Damm ein, um u.a. auf einem 20 Meter langen Metallophon vom Mobilen Musik Museum Düsseldorf zu musizieren. In der Wartburg feiert das Tanzstück »Rotzfrech« (6+) von Tim Plegge Premiere, das vom Austesten der Grenzen handelt. In dem Theaterabenteuer mit Musik »Daumesdick« (5+) nach den Brüdern Grimm wächst ein Winzling durch Wagemut und Neugier über sich hinaus, auch wenn er in der poetischen Inszenierung nicht zu sehen ist.

Das Hessische Staatsorchester Wiesbaden ist Teil des weltweiten Beethovenjahr-Projekts bei dem Künstler ein »globales Statement für die Bewahrung der Natur« gestalten. Im gleichnamigen Konzert »Beethoven Pastoral Project« (8+) spielen die Musiker unter GMD Patrick Lange Beethovens Sinfonie »Pastorale«. Verbunden mit Bild- und Videobotschaften von Wiesbadener Kindern und Jugendlichen setzen sie damit ein Zeichen für diese besondere Aktion.

Das dokumentarische Tanztheater »Liebe üben« (10+) aus der Schweiz holt die Liebe aus dem 7. Himmel dahin, wo alles möglich ist: auf den Bühnenboden. Mit »Man Strikes Back« (6+), einer musikalischen Choreografie zwischen Roboterobjekten und dem Menschen, feiert die erfolgreiche belgische Kompanie Post Uit Hessdalen Deutschlandpremiere.

Der Kartenvorverkauf startet am Freitag, den 14. Februar 2020 um 15.30 Uhr. Karten sind an der Theaterkasse, telefonisch unter 0611.132 325 oder online unter www.maifestspiele.de erhältlich.

„Von der Wiege bis zur Bahre“ – Wiesbadener Museum zeigt die bedeutendsten Genre-Bilder des 19. Jahrhunderts in „Ludwig Knaus Homecoming“ vom 14.02 – 2.08.2020

Die Goldene Hochzeit entsteht über den Jahreswechsel 1858/59 hinaus. Knaus war wieder nach Jahren Pariser Aufenthalte und einer längern Italienreise nach Willingshausen zurückgekehrt, „dort, wo die lauschigen Storchennester sind, wo er seine Landleute findet, die er eben malen kann, wo er seine Heimat hat“. Und er hatte das Glück binnen kürzester Zeit an verschiedenen Festen teilzunehmen, und entsprechendes Material zu finden, alles, was sein  „gemütliches deutsches Genre ausmacht“. Es ist das, was sein  Publikum von ihm erwartet, damit er mit seine Kunst auch entsprechend Käufer findet und  entsprechend seinen Status zu erhalten kann. „Die Goldene Hochzeit“, bereits vor der Ausstellung verkauft,  wird 1959 im Pariser Salon sofort ein  großer Publikumserfolg: „Es ist die Perle der Ausstellung“. Die Kuratoren Rebecca Krämer und Dr. Peter Foster,  Dr. Peter Forster Kustos Sammlungen 14. bis 19. Jh. Leitung Provenienzforschung Koordination Museumspädagogik. © Foto: Diether v Goddenthow
Die Goldene Hochzeit entsteht über den Jahreswechsel 1858/59 hinaus. Knaus war wieder nach Jahren Pariser Aufenthalte und einer längern Italienreise nach Willingshausen zurückgekehrt, „dort, wo die lauschigen Storchennester sind, wo er seine Landleute findet, die er eben malen kann, wo er seine Heimat hat“. Und er hatte das Glück binnen kürzester Zeit an verschiedenen Festen teilzunehmen, und entsprechendes Material zu finden, alles, was sein „gemütliches deutsches Genre ausmacht“. Es ist das, was sein Publikum von ihm erwartet, damit er mit seine Kunst auch entsprechend Käufer findet und entsprechend seinen Status zu erhalten kann. „Die Goldene Hochzeit“, bereits vor der Ausstellung verkauft, wird 1959 im Pariser Salon sofort ein großer Publikumserfolg: „Es ist die Perle der Ausstellung“. Die Kuratoren Rebecca Krämer und Dr. Peter Foster, Dr. Peter Forster Kustos Sammlungen 14. bis 19. Jh. Leitung Provenienzforschung Koordination Museumspädagogik. © Foto: Diether v Goddenthow

Das Hessische Landesmuseum Wiesbaden holt mit der Sonderausstellung „Ludwig Knaus – Homecoming“ (14.02. bis 2. 08.2020) einen der populärsten Künstler des 19. Jahrhunderts zurück in seine Heimatstadt Wiesbaden. Zusammen mit Adolf Menzel galt der Wiesbadener Genremaler Ludwig Knaus als der beste Zeichner und Genre-Maler seiner Zeit. Er malte wie ein Weltmeister, immer mit Skizzenblock oder Stift unterwegs. Er schuf die Vorlage für die berühmteste Druckgrafik des 19. Jahrhunderts, „Die Goldene Hochzeit“. Dieses Ölgemälde, welches nie in Deutschland gezeigt wurde, da es noch vor der Ausstellung 1859 im Pariser Salon nach Amerika verkauft wurde, galt 140 Jahre lang, noch bis vor kurzem als verschollen. Nun ist die „Die Goldene Hochzeit“ erstmals nach Deutschland als Leihgabe zurückgekehrt und mit 70 weiteren erstklassigen Genre-Bildern sowie 100 Zeichnungen und Ölstudien im UG des Landesmuseum Wiesbaden für Kunst und Natur zu sehen, darunter auch das zweitberühmteste Werk „Hoheit auf Reisen“ und das von Theodor Fontane einst so geliebte „Damenbrettspiel“ aus der Nationalgalerie Berlin. Knaus Gemälde und Zeichnungen spiegeln Beobachtungen der Gesellschaft im 19. Jahrhundert wider und geben mit Motiven aus dem Alltag tiefere Einblicke in die Kultur und Geschichte Hessens.

Ludwig Knaus Selbstportrait © Museum Wiesbaden Foto: Bernd Fickert
Ludwig Knaus Selbstportrait © Museum Wiesbaden Foto: Bernd Fickert

Der gebürtige Wiesbadener Künstler Ludwig Knaus wurde nach einer Ausbildung an der Düsseldorfer Akademie zu einem der führenden Genre- und Porträtmalern des 19. Jahrhunderts. Von 1852 bis 1860 lebte Knaus in Paris, wo seine Arbeiten bereits 1852 erste Erfolge verzeichneten und fortan auf dem internationalen Kunstmarkt, vor allem nach Frankreich und Amerika, vertrieben wurden. Die Stadt Wiesbaden, zu der Knaus immer eine enge Beziehung pflegte, „schmückte“ sich im 19. Jahrhundert gerne mit dem Künstler. Aufgrund seiner hohen Preise konnte das Museum zu Knaus‘ Lebzeiten jedoch nur zwei seiner begehrten Gemälde, Brautschau (1864) und Die Frühlingsidylle (1895), zu Sonderkonditionen erwerben. Zahlreiche von Knaus‘ Arbeiten sind in seinem Atelierhaus in der Schönen Aussicht 7 in Wiesbaden entstanden. Nach seiner Rückkehr aus Frankreich mit einer Zwischenstation in Wiesbaden wurde Knaus 1874 auf eine Professur an die Akademie der Künste in Berlin berufen, wo er bis zu seinem Lebensende 1910 lebte. Heute befinden sich die Gemälde von Ludwig Knaus in zahlreichen deutschen Museen, ebenso wie in Amerika und weiteren europäischen Sammlungen.

Das Damenbrettspiel, zeigt Ludwigs Knaus Vater mit seinem Schwiegervater. Theodor Fontane liebte das Werk. © Foto: Diether v Goddenthow
Das Damenbrettspiel, zeigt Ludwigs Knaus Vater mit seinem Schwiegervater. Theodor Fontane liebte das Werk. © Foto: Diether v Goddenthow

Während Knaus‘ Zeitgenossen sich der Kunst des Impressionismus verschrieben, galt Knaus‘ künstlerisches Interesse der realitätsnahen Darstellung von Szenen aus dem Alltag, darunter vor allem Taufen, Hochzeiten, Feste oder Ernten. „Mir sagt aber das ausdrucksvolle lebendige Genre entschieden besser zu, wo man sich für die Individualitäten interessiert, wo die Leute sprechen und handeln und in intimer Beziehung zu einander stehen“. Ludwig Knaus, 21.12.1857 Die Genremalerei von Ludwig Knaus bildet zahlreiche Stationen und Bereiche des Lebens ab: von der Kindheit bis zum Tod oder vom Arbeitsalltag bis zu den Existenzen außerhalb der bürgerlichen Norm. Vor allem war der Wiesbadener aber auch ein Porträtist und Zeichnungen bildeten für Knaus die Grundlage, sich der Realität zu nähern und sie zu erfassen. Knaus Œuvre zeichnet sich insbesondere durch den Anspruch des Künstlers aus, möglichst wirklichkeitstreue Darstellungen der Menschen in poetischer Form zu fertigen. Ihn interessierten Szenen zwischenmenschlicher Begegnungen. Darstellungen mit vielen Figuren sind typisch für seine Kompositionen.

Ludwig Knaus Impression © Foto: Diether v Goddenthow
Ludwig Knaus Impression © Foto: Diether v Goddenthow

Oftmals besitzt die idyllisch anmutende Genremalerei aber auch soziakritisches Potential. Ludwig Knaus malte Gesellschaftsbilder, die als Spiegel der Gesellschaft des 19. Jahrhunderts aus der Sicht Knaus‘ gesehen werden können. Beispielsweise leisten seine Darstellung von Festen und Landschaften um Willingshausen herum einen Beitrag zur Herausbildung der hessischen Identität, da sie Aufschluss über Trachten und Bräuche geben. Ebenfalls muss betont werden, dass Knaus als typischer Vertreter des 19. Jahrhunderts gängige Vorurteile aufzugreifen, diese entsprechend darzustellen und zu bedienen wusste. Dazu gehörten Themen und Darstellungen, die aus Sicht der bürgerlichen Gesellschaft Minderheiten, exotische Motive und Randgruppen zum Gegenstand hatten. Beispielsweise erzielte seine Präsentation der sich außerhalb der gesellschaftlichen Norm bewegenden Zigeuner in Paris große Erfolge. Knaus zeigte in seinen Genrebildern auch Szenen aus dem jüdischen Kulturkreis, wie beispielsweise das Gemälde Salomonische Weisheit (1878), bei der er die gängigen Vorurteile seiner Zeit aufgriff. Großer Beliebtheit im In- und Ausland erfreuten sich seine Darstellungen der ländlichen Bevölkerung. Ein Schlüsselwerk des 19. Jahrhunderts, Die Goldene Hochzeit (1858), zeigt ein familiäres, generationenübergreifendes Fest aus der hessischen Schwalm. Für die damalige Gesellschaft und die Käuferschaft wirkten die Schwälmer Landleute als Einheit fernab einer aus den Fugen geratenen industrialisierten Welt.

Das zweitwichtigste Werk, das Ludwig Knaus  für Hessen hergestellt hat, ist „Die Hoheit auf Reisen“ von 1867. Es ist  ebenfalls zum ersten Mal in Deutschland und zeigt eine politische Reaktion auf die Übernahme der Preußen von Hessen-Nassau. Dargestellt wird, „wie die neue Regentschaft durch ein Dorf oder daran vorbei läuft. Die ganzen Hessen schauen sich das an und sie reagieren im Prinzip auf das, was da neu ist, und ist dieses erste Beschnuppern, was Knaus hier sehr gut und einträglich eben darstellt“, so Krämer.© Museum Wiesbaden Foto: Bernd Fickert
Das zweitwichtigste Werk, das Ludwig Knaus für Hessen hergestellt hat, ist „Die Hoheit auf Reisen“ von 1867. Es ist ebenfalls zum ersten Mal in Deutschland und zeigt eine politische Reaktion auf die Übernahme der Preußen von Hessen-Nassau. Dargestellt wird, „wie die neue Regentschaft durch ein Dorf oder daran vorbei läuft. Die ganzen Hessen schauen sich das an und sie reagieren im Prinzip auf das, was da neu ist, und ist dieses erste Beschnuppern, was Knaus hier sehr gut und einträglich eben darstellt“, so Krämer.© Museum Wiesbaden Foto: Bernd Fickert

Die Ausstellung Ludwig Knaus – Homecoming (14.02.–02.08.2020) rückt zentrale Hauptwerke aus dem Werk Knaus‘, die bereits zu Lebzeiten des Malers nach Amerika verkauft wurden, in den Fokus. Ausgehend von bedeutenden Leihgaben aus dem Grohmann Museum in Milwaukee, Wisconsin sowie dem Milwaukee Art Museum und dem Arnot Art Museum New York, die eigens für das Ausstellungsprojekt nach Hessen zurückkehren, ist die Ausstellung in thematische Bereiche gegliedert. Rund 70 Gemälde und 100 Zeichnungen und Ölstudien stellen das Werk des Wiesbadener Genremalers auf 350 Quadratmetern Ausstellungsfläche vor. Der Rundgang thematisiert den Kreislauf des Lebens von der Wiege bis zur Bahre unter besonderer Berücksichtigung der Werke aus Amerika. Die Arbeitsweise des Künstlers wird durch Zeichnungen und Studien wie aber auch durch authentische hessische Kostüme dokumentiert. Die Ausstellung verdeutlicht anhand der Hauptwerke von Ludwig Knaus, dessen Name damals in aller Munde war, welchen hohen Stellenwert er für die Kunst des 19. Jahrhunderts besaß. Heute hingegen gilt er weitestgehend als vergessen. Eine Auswahl von hessischen Trachtenkostümen aus dem Nachlass des Künstlers ergänzen die Schau.

Zur Ausstellung erscheint der Katalog „Ludwig Knaus – Homecoming“ im Deutschen Kunstverlag, (ISBN: 978-3-422-98280-2).

Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft des Hessischen Ministerpräsidenten Volker Bouffier.

Gefördert durch den Kulturfonds Frankfurt RheinMain und die Ernst von Siemens Stiftung.

Hessisches Landesmuseum für Kunst und Natur
Friedrich-Ebert-Allee 2
65185 Wiesbaden
www.museum-wiesbaden.de

»Kraftwerk Block Beuys« vom 14. Februar bis 24. Mai 2020 im Hessischen Landesmuseum Darmstadt

Joseph Beuys 1970 im Hessischen Landesmuseum, Foto: Barbara Klemm © VG Bild-Kunst, Bonn, 2019
Joseph Beuys 1970 im Hessischen Landesmuseum, Foto: Barbara Klemm © VG Bild-Kunst, Bonn, 2019

Im April 1970 installierte Joseph Beuys (1921-1986) mehr als 200 seiner Werke im Hessischen Landesmuseum Darmstadt. 2020 feiern wir das 50-jährige Jubiläum dieses weltweit größten erhaltenen Werkensembles. In sieben Räumen schuf Beuys ein faszinierendes Künstlermuseum im Museum. Es ist eine einzigartige Schule des Wahrnehmens, Entdeckens und Fragens.

Die Szenerie wirkt beiläufig. Viele fühlen sich an ein Atelier, dem Zentrum künstlerischer Produktion, erinnert. Als sei Beuys eben erst gegangen. Objekte sind offensichtlich nicht museal-wissenschaftlich, sondern intuitiv abgestellt. Das kleinteilige Schaulager wird zur herausfordernden, körperlichen Erfahrung. Beuys arrangierte seine Werke ohne Beschriftungen. Die Rätselhaftigkeit verstand er als Aufforderung zum intuitiven Weiterdenken. Erleben war ihm wichtiger als Erklären.

Im Anspruch war Beuys universell und verband Kunst, Wissenschaft und Spiritualität. Als Pionier einer politischen und umweltbewussten Kunst erscheint er aktueller denn je. Seine Werke nannte Beuys Vehikel oder auch Fahrzeug. Sie waren Transporter seiner Ideen. »Block Beuys« ist ein Lagerplatz im Sinne einer Batterie oder eines Energiespeichers. Werke tragen unter anderem Titel wie »Sender«, »Elektrode (Fett-Filz)«, »Batterie«, »Aggregat« oder »Fond«. Auch den Namen »Block Beuys« kann man als ein Kraftwerk verstehen.

Staatssekretärin Ayse Asar: »Der ‚Block Beuys‘, der weltweit größte Werkkomplex von Joseph Beuys im Hessischen Landesmuseum Darmstadt, ist von außerordentlicher Bedeutung für das kulturelle Erbe des Landes Hessen. Zusammen mit den Beuys-Sammlungen in Kassel und Wiesbaden ist Hessen ein zentraler Standort für diesen Jahrhundertkünstler. Darauf können wir sehr stolz sein.«

Die Ausstellung »Kraftwerk Block Beuys« beleuchtet den Zusammenhang ausgewählter Werke und Beuys’ Aktionen. Filme, Fotos und Partituren bis in die 1970er-Jahre zeigen, wie er Objekte aus dem »Block Beuys« benutzte.

1963 veranstaltete Beuys als Professor an der Kunstakademie Düsseldorf ein FESTUM FLUXORUM FLUXUS. 1964 geht ein Foto mit blutender Nase nach einem Tumult auf dem »Festival der neuen Kunst« an der Technischen Hochschule in Aachen durch die Presse. 1965 führt er in der Düsseldorfer Galerie Schmela vor, »wie man dem toten Hasen die Bilder erklärt«. Es folgen 1966: »Infiltration Homogen für Konzertflügel, der größte Komponist der Gegenwart ist das Contergankind«, »Filz TV« und »MANRESA«. Die Ausstellung stellt dann »Hauptstrom FLUXUS« und »EURASIENSTAB«, beide 1967 und schließlich »Titus Andronicus / Iphigenie«, 1969, vor.

»Block Beuys« ist gleichzeitig Paradebeispiel der Geburt des bundesdeutschen Kunstmarktes von internationalem Rang: Der Darmstädter Industrielle Karl Ströher kaufte auf Vermittlung von Franz Dahlem und Heiner Friedrich 1967 alle Werke aus Joseph Beuys‘ Ausstellung im neuen Museum Mönchengladbach. Er sicherte sich den Zugriff auf weitere Arbeiten. Dafür verpflichtete er sich, alle Werke geschlossen öffentlich auszustellen.

1968 erwarb er die umfangreiche Pop-Art-Sammlung des New Yorker Versicherungsmaklers Leon Kraushar. Nach einer zweijährigen Ausstellungstournee übergab Ströher seine Sammlung als Dauerleihgabe und machte Darmstadt zum vielbeachteten Ort der Avantgarde. Drei Jahre nach Beuys’ Tod sicherte die Hessische Kulturstiftung 1989 mit Unterstützung der Kulturstiftung der Länder durch Ankauf den Bestand in Darmstadt.

Eva Claudia Scholtz Geschäftsführerin der Hessischen Kulturstiftung: »Joseph Beuys’ Werk hört nicht auf zu polarisieren, zu hinterfragen, zu aktivieren, uns zu bewegen. Und wir hören auch nicht auf: ‚Block Beuys‘, den die Hessische Kulturstiftung 1989 für Darmstadt erwarb und Beuys’ Ulysses-Zeichnungen 1996, 1993 ‚Das Rudel‘ für Kassel oder die Vitrine ‚Boxkampf für direkte Demokratie‘ 2018 für Frankfurt – uns bewegt Beuys. Die aktuelle Schau ‚Kraftwerk Block Beuys‘ stellt den Block als Energiespeicher und Aktivierungsmaschine aus. Ich freue mich, dass die Ausstellung im Landesmuseum Darmstadt die Aktualität von Joseph Beuys‘ Arbeit unterstreicht und ich hoffe, dass zahlreiche Besucher das herausfordernde Erlebnis ‚Block Beuys‘ wagen! Nicht zuletzt ist die Ausstellung ‚Kraftwerk Block Beuys‘ zum 50. Jahr der Einrichtung des ‚Blocks‘ durch Beuys selbst ein verheißungsvoller Auftakt für den 100. Geburtstag des Künstlers im nächsten Jahr.«

Zum Jubiläum erinnern Zeitdokumente an Historie, Entstehung und Veränderungen dieses singulären Werkes. Als prominente Leihgabe wird »kleines Kraftwerk«, das 1984 bis 1987 in Raum 3 des »Block Beuys« zu finden war, wieder im HLMD zu sehen sein.

Hessisches Landesmuseum Darmstadt
Friedensplatz 1
64283 Darmstadt