Kategorie-Archiv: Wiesbadener Museen

Die Internationalen Tage Ingelheim mit „Emil Nolde. Die Grotesken“ zu Gast im Museum Wiesbaden vom 30. April bis 9.Juli 2017

Emil Nolde 1867 -  1956. Bergpostkarte: "Die drei Mürtschen: Der Böse, der Faule und der Rauhe, 1985. Mischtechnik, Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow
Emil Nolde 1867 – 1956. Bergpostkarte: „Die drei Mürtschen: Der Böse, der Faule und der Rauhe, 1985. Mischtechnik, Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow

„Die Kunst kommt vom Menschen und ist für den Menschen gemacht – nicht für die Experten. Ihre Formen bilden sich aus der lebendigen Liebe zum Leben. Sie verbindet die Menschen und gibt ein positives Lebensgefuhl. Die Kunst ist der Spiegel Gottes – der die Menschheit ist.“ Emil Nolde

 

Dem widrigen Umstand,  dass sich die Sanierung des alten Ingelheimer Rathauses unvorhergesehener Weise verzögerte und als Ausstellungsfläche für die Internationalen Tage Ingelheims nicht bereitstand, verdankt das Museum Wiesbaden die Chance,  Emil Noldes Werk  „Die Grotesken“  präsentieren zu können.

i.t.iDie Internationalen Tage Ingelheim sind ein Kulturengagement von Boehringer Ingelheim seit 1959, die jährlich zwischen Mai und Juli stattfinden, in diesem Jahr zum ersten Mal,  der Raumnot gehorchend, außerhalb. Dr. Alexander Klar erinnert sich beim Pressegespräch:  „Binnen 6 Stunden hatten wir, nachdem die Anfrage hier bei uns eingetroffen war,  die Ausstellung zugesagt“.  Für das Museum Wiesbaden, welches sich explizit dem Expressionismus widmet, war es eine große Chance, auf diese Weise zum zweiten Mal einen Vertreter aus der expressionistischen Künstlergruppe „Die Brücke“ ausstellen zu können.

Zudem dürfte es nun für Besucher der Dokumenta 14 in Kassel noch verlockender werden,  einen Abstecher nach Wiesbaden einzuplanen. Zusammen mit der gegenwärtigen Sonderausstellung „Richard Serra. Props, Films, Early Works“, die noch bis zum 18. Juni 2017 gezeigt wird, kann nun das Hessische Landesmuseum für Kunst und Natur Wiesbaden mit zwei absoluten internationalen Highlights aufwarten.

Die Grotesken

Worum geht es? Wer hofft, in dieser Ausstellung einen Emil Nolde der farbigen Blumengärten, aufgeregten Meereslandschaften,  dramatischen Wolkenformationen oder der intensiven Eindrücke seiner berühmten Reise in die Südsee zu sehen, sucht in dieser Ausstellung vergeblich. Es wird viel spannender: Erstmals wird ein weitgehend unbekannter Emil-Nolde gezeigt, darunter 15 noch nie in einer Ausstellung gezeigte Werke. Es ist eine wesentliche, wenn auch wenig bekannte Facette Noldes umfangreichen Werkes.

Emil Nolde 1867 - 1956 Ohne Titel (Groteskes Tier in Hundegestalt. Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow
Emil Nolde 1867 – 1956 Ohne Titel (Groteskes Tier in Hundegestalt. Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow

Dass das „Grosteke“erst jetzt mit dieser Ausstellung  einer breiten Öffentlichkeit gezeigt werden kann,  erstaunt. Denn in Noldes vierbändiger Autobiografie und in seinen Briefen finden sich vielfältige Hinweise und Erläuterungen, die deutlich machen, dass sein künstlerisches Werk entscheidend durch sein subjektives Verhältnis zum Fantastischen und Grotesken beeinflusst und geprägt ist. Wer  tiefer in dieses „groteske“ Nolde-Welt einsteigt, wird  einen  „neuen“ Nolde entdecken können, der  vielleicht mehr als bisher, tiefe Einblicke in sein Seelenleben gibt. Zahlreiche Aquarelle erinnern ein wenig an  Klecksography und  den einstmals zur Diagnostik seelischer Gesundheit verwendeten Rorschach-Test. So gesehen hat der Betrachter durchaus die Chance, selbstreflektorisch auch etwas über die eigenen Befindlichkeiten und „seine Dämonen“ zu erfahren.  Noldes undefinierbare Wesenheiten, Kobolde und seltsamen Gestalten verbindet vielleicht  die archetypische Symbolik menschlicher ( Ur-)Existenzängste, die den Betrachter besonders in seinen Bann  ziehen.  „Die Urmenschen leben in ihrer Natur, sind eins mit ihr und ein Teil vom ganzen All. Ich habe zuweilen das Gefühl, als ob nur sie noch wirkliche Menschen sind, wir aber etwas wie verbildete Gliederpuppen, künstlich und voll Dünkel. Ich male und zeichne und suche einiges vom Urwesen festzuhalten.“ (1914) Emil Nolde

Hallig Hooge, 1919 – Flucht ins Alleinsein

Emil Nolde 1867 -1956 Tolles Weib, 1919. Exemplarisch für Noldes Adaption einiger seiner in Hallig Hooge entstandenen Aquarell-Motiven auf Leinwand in Ölfarbe, steht das  unbetiteltes Aquarell „Die Tänzerin“. Es diente zur Vorlage des Motivs: „Tolles Weib“, 1919. Sie, die mit einem nach oben gereckten Bein auf allen vieren kniet, umspielt ein gewisser Hauch wilder Rohheit, aber noch nicht entfesselt, was sich auch in der bräunlichen Farbgebung ausdrückt. Erst im Gemälde Tolles Weib hat Noldes Figur alle Zurückhaltung abgelegt. Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow
Emil Nolde 1867 -1956 Tolles Weib, 1919. Exemplarisch für Noldes Adaption einiger seiner in Hallig Hooge entstandenen Aquarell-Motive auf Leinwand in Ölfarbe, steht das unbetiteltes Aquarell „Die Tänzerin“. Es diente zur Vorlage des Motivs: „Tolles Weib“, 1919. Sie, die mit einem nach oben gereckten Bein auf allen vieren kniet, umspielt ein gewisser Hauch wilder Rohheit, aber noch nicht entfesselt, was sich auch in der bräunlichen Farbgebung ausdrückt. Erst im Gemälde Tolles Weib hat Noldes Figur alle Zurückhaltung abgelegt. Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow

Nolde entfloh immer wieder über längere Phasen „seiner“ hektischen äußeren Welt. Er suchte Ruhe, das Alleinsein, die totale Abgeschiedenheit. Beispielsweise fuhr Nolde im Frühjahr 1919 allein auf die Hallig Hooge vor der Küste Nordfriesland. Hier entstanden in ungefähr sechs Wochen unter anderem 71 Aquarelle von seinen Visionen mit besonderer Ausdruckskraft. Die Reise wurde Nolde wertvoll. Sie hatte wohl heilsame Wirkung und sollte ihn, zumindest in seinen dort geschaffenen Werken sein ganzes weiteres Leben begleiten. Nolde trennte sich zu Lebzeiten niemals von diesen auf Hallig Hooge entstandenen ungewöhnlichen  Figuren. Sieben dieser Aquarelle dienten ihm noch im selben Jahr als Vorlagen großformatiger Gemälde.

Caroline Dieterich, Mitautorin des Katalogs zur Ausstellung "Emil Nolde - Die Grotesken", 2017. Sie steuerte den Beitrag über Noldes Hallig Hooger Zeit bei.Foto: Diether v. Goddenthow
Caroline Dieterich, Mitautorin des Katalogs zur Ausstellung „Emil Nolde – Die Grotesken“, 2017. Sie steuerte den Beitrag über Noldes Hallig Hooger Zeit bei.Foto: Diether v. Goddenthow

Nolde liebte diese Halligen,  diesen atemberaubenden Wechsel von Ebbe und Flut und das Wattenmeer. Er war überzeugt: „Weitferne Vereinsamung kann reichstes Leben enthalten, rauschende Vielfältigkeit zerstreut alle geistige Sammlung“.

Caroline Dietrich hat „Emil Noldes Reise zur Hallig Hooge“ im sehr gelungenen Katalog zur Ausstellung beschrieben.

Utenwarf 1918

Dr. Ulrich Luckhardt, Kurator u. Leiter des Internationalen Tage, hier mit Emil Noldes Werk "Die Maske", entstanden 1920. Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow
Dr. Ulrich Luckhardt, Kurator u. Leiter des Internationalen Tage, hier mit Emil Noldes Werk „Die Maske“, entstanden 1920.
Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow

Bereits 1912,  Jahre vor Hallig Hooge, hatte sich Emil Nolde mit seiner Frau Ada (ab 1916)  in ein altes Fischerhaus an der westschleswigschen Künste zurückgezogen, das vor dem Deich liegt und deswegen von Hochwassern heimgesucht wurde. Er nennt es Utenwarf. Hier in der Abgeschiedenheit entstehen neben Landschaftsgemälden eine Reihe figürlicher Aquarelle mit verspielt-grotesken Bildthemen, erläutert Dr. Christian Ring, Direktor der Nolde Stiftung  in Seebüll. Sein Beitrag „Zur Kontinuität des Grotesken im Werk von Emil Nolde“, Katalog zur Ausstellung, Seiten 14 – 18, beschreibt diese Facette von Noldes Werk.

Emil Nolde 1867 - 1956. Wüstes Jagen 1918 Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow
Emil Nolde 1867 -1956. Wüstes Jagen 1918 Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow

Bereits in diesen Bildern schafft Nolde eine absolut groteske Gegenwelt zur Realität vor und nach dem ersten Weltkrieg.“‚Ich arbeite währenddem und malte den ‚Geburtstag der Windmühle‘, wo Hund und Hahn so lustig tanzen, und auch den ‚idealen Misthaufen‘ mit seinem glücklichen Federvieh. Kleine Anregungen gaben ihre Wirkungen, ein Gast bei uns benannte die Bilder so! – Es entstehen noch mehr dieser seltsamen freien Erfindungen, deren Bezeichnungen noch erfunden werden müssen“ (Christian Ring, zit. n. Nolde 2002, siehe Katalog zur Ausstellung)

Bergriesen – Bergpostkarten 

„Bereits sein erstes Ölgemälde, die Bergriesen von 1895/96, und die zuvor entstandene Reihe der Berg-Postkarten, in denen
Nolde Schweizer Bergen groteske menschliche Physiognomien gibt, und die ihn als bildenden Künstler noch vor der Wende zum zwanzigsten Jahrhundert bekannt werden ließen, zeugen von Noldes intensivem Interesse am Fantastischen“, so Dr. Ulrich Luckhardt, Kurator und Leiter der Internationalen Tage Ingelheim.

Von diesen Anfängen, denen 1905 die Mappe Phantasien mit Radierungen folgt, bis in die Jahre des Berufsverbots durch die Nationalsozialisten zieht sich in seinem Werk immer wieder die Abkehr von der Realität hin zu einer grotesken Gegenwelt, so Luckhardt. Diese Realitätsferne zeigt sich neben den in Utenwarf und 1919 auf der Hallig Hooge entstanden Gemälden auch in einer weiteren Reihe von Werken, die alle 1923 gemalt wurden. Wie ein roter Faden zieht sich die Zweiheit, das Motiv des  „Paars“ durch Noldes Werk: „Die Zweiheit hat in meinen Bildern und auch in der Graphik einen weiten Platz erhalten. Mit- oder gegeneinander: Mann und Weib, Lust und Leid, Gottheit und Teufel. Auch die Farben wurden einander entgegengestellt: Kalt und warm, hell und dunkel, matt und stark. Meistens aber doch, wenn eine Farbe oder ein Akkord wie selbstverständlich angeschlagen war, bestimmte eine Farbe die andere, ganz gefühlsmäßig und gedankenlos tastend in der ganzen Farbenreihe der Palette, in reiner sinnlicher Hingabe und Gestaltungsfreude.“ (Emil Nolde)

 

Die Grenzen zwischen Realität und Grenzen verschwimmen bei Nolde immer wieder. Dr. Christian Ring, Direktor Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow
Die Grenzen zwischen Realität und Grenzen verschwimmen bei Nolde immer wieder. Dr. Christian Ring, Direktor Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow

Nolde lässt den Betrachter allein mit seinem Gedankenspuk und Anderswelten. Nolde entzieht sich einer klaren Interpretation und Lesbarkeit des Dargestellten, erklärt Dr. Christian Ring, Direktor der Nolde Stiftung Seebüll.   „Das Interessante ist“, so Ring, „dass man bei einem so weit erforschten Werk, immer noch neue Entdeckungen machen kann.“

Wurde Emil Nolde auch vornehmlich als der Maler dramatischer Meeresansichten, aufgewühlter Wetterwolken und bunter Blumengärten bekannt,  dürfte  sein Hang zum Grotesken jedoch nicht Ausnahme, sondern eher ein zentraler Wesenskern seines gesamten künstlerischen Schaffens  gewesen zu sein.  Dieser Eindruck drängt sich zumindest nach dem Studium dieser Ausstellung auf. Sie spannt einen Bogen seines diesbezüglichen Schaffens  von  den „Bergpostkarten“ und der „Mappe Phantasien“ über die Bilder „Untenwarf“ und  „Hallig Hooge“ bis hin zu Werken der „Phantasien“ und  „Die Ungemalten Bilder“. Nolde sagte einmal: „Alle meine freien und phantastischen Bilder entstanden ohne irgendwelches Vorbild oder Modell, auch ohne festumrissene Vorstellung. Ich mied alles Sinnen vorher, eine vage Vorstellung in Glut und Farbe genügte mir. […] Phantastisch sein im Werk ist schön, phantastisch sein wollen ist blöd. Wenn die Bodennähe im romantisch phantastischen Schaffen mir zu verschwinden schien, stand ich suchend wieder vor der Natur, Wurzeln in die Erde versenkend und demütig in vertieftem Sehen.“

Dr. Roman Zieglgänsberger, Kustos Klassische Moderne, Museum Wiesbaden. Foto: Diether v. Goddenthow
Dr. Roman Zieglgänsberger, Kustos Klassische Moderne, Museum Wiesbaden. Foto: Diether v. Goddenthow

„Emil Nolde hat wirklich am Rande der Welt gelebt, vielleicht muss man sich am Rande der Welt bewegen, um solchen Figuren zu begegnen und diese malen zu können“, fragt sich  Dr. Roman Zieglgänsberger. In seinem  Beitrag  „Schlaglichter auf das Schattenreich der Grotesken um 1900″, Katalog Seiten 8 bis 13, untersucht der Kustos Klassische Moderne im Wiesbadener Museum  das Phänomen der Groteske, welches die Jahrhundertwende allgegenwärtig war.

Die Ungemalten Bilder

Emil Nolde 1867 - 1956. Frühmorgenflug. Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow
Emil Nolde 1867 -1956. Frühmorgenflug. Nolde Stiftung Seebüll. Foto: Diether v. Goddenthow

Zwischen 1931 und 1935 malt Emil Nolde mit den Phantasien eine Reihe großformatiger Aquarelle, die die sogenannten „Ungemalten Bilder“ vorbereiten. Die Ungemalten Bilder sind mit über 1700 Aquarellen der größte zusammenhängende Bestand in Noldes Werk. Die meisten sind vermutlich nach dem nationalsozialistischen Berufsverbot 1941 im Verborgenen auf Seebüll entstanden, manche wohl schon früher. Aus den Farbverläufen der Nass-in-Nass-Technik des Aquarells entstanden auch hier fantastische menschliche Figuren, die Nolde mit Tuschfeder konturiert und oft nochmals farbig überarbeitet. Gerade diese Arbeiten bilden nach dem Zweiten Weltkrieg die Grundlage für die Rezeption Noldes als verfemter Künstler, was seine Verstrickung mit dem Regime für viele Jahre überlagerte.

Es scheint auch eine merkwürdige Ambivalenz zu sein, dass ein „verfolgter“ Künstler wie Emil Nolde, der von den Nazis 1941 Berufsverbot erhielt, sich einstmals zum Nationalsozialismus bekannt hatte. Da in seiner Biographie seine Gedanken hierzu mit chemischen Mitteln entfernt wurden, bleibt seine tatsächliche Position hierzu unklar. Gesichert erscheint, dass sich Nolde stets als ein germanischer, als ein nordischer Maler verstand. „Die Kunstäußerungen der Naturvölker sind unwirklich, rhythmisch, ornamental, wie wohl immer die primitive Kunst aller Völker es war — inklusive die des germanischen Volkes in seinen Uranfängen. […] Das Absolute, Reine, Starke war meine Freude, wo ich es fand, von primitiver Ur- und Volkskunst an bis zur höchsten Trägerin freier Schönheit. […] Die Bilder, welche ich auf den Südseeinseln malte, entstanden künstlerisch unbeeinflußt von exotischer Art zu bilden, […] blieben in Empfindung und Darstellung so heimatlich nordisch deutsch, wie alte deutsche Plastiken es waren — und ich selbst es bin.“ (Emil Nolde)

Biographisches

Emil Emil Hansen, geboren am 7. August 1867 in dem schleswigschen Dorf Nolde, nach dem er sich später nannte. Er lernte in einer Flensburger Schnitzschule, wurde von 1892-97 Lehrer an der Gewerbeschule St. Gallen, die er wegen „unzureichender Erfüllung seiner Lehrtätigkeit“ verlassen musste. Der große finanzielle Erfolgs durch den Verkauf seiner in hoher Druckauflage hergestellten Bergpostkarten verhalf ihm zu wirtschaftlicher Unabhängigkeit. Es folgten Malerische Ausbildungen in München, Paris, Kopenhagen, Berlin. 1913/14 besuchte Nolde Rußland-und die Südsee. Seine Bilder wurden nach 33 als „entartet“ aus den Museen verbannt und ihm ab 1941 das professionelle Malen gänzlich verboten. In dieser Zeit entstanden seine „Ungemalten Bilder“ (siehe oben). 1946 ernannte ihn die schleswig-holsteinsche Landesregierung  Zu seinem 79. Geburtstag zum Professor. Bis 1951 malte Emil Nolde noch über 100 Gemälde und bis 1956. Emil Nolde nahm 1955 an der  documenta 1 teil. Emil Nolde starb am 13. April 1956 in Seebüll, wo er – neben seiner 1946 verstorbenen ersten Frau Ada – im von beiden geliebten Garten seine letzte Ruhestätte fand. Posthum wurden seine Werke auch 1959 auf der documenta II  und 1964 auf der documenta III  in Kassel gezeigt. Emil Nolde war einer der führenden Maler des Expressionismus und einer der großen Aquarellisten in der Kunst des 20. Jahrhunderts.

Die Ausstellung, die in enger Kooperation mit der Nolde Stiftung Seebüll entstand, umfasst 20 Gemälde sowie ca. 90 Werke auf Papier, die zum Teil noch nie öffentlich in einer Ausstellung gezeigt wurden. Die Ausstellung ist höchst gelungen, hervorragend strukturiert und entführt in eine unbekannte, höchst faszinierende Nolde-Welt.

Diether v. Goddenthow / Rhein-Main.Eurokunst

 

Ort:
Museum Wiesbaden
Hessisches Landesmuseum
für Kunst und Natur
Friedrich-Ebert-Allee 2
65185 Wiesbaden
Fon 0611 ⁄ 335 2250
Fax 0611 ⁄ 335 2192

Nach der Präsentation im Museum Wiesbaden wird diese Ausstellung vom 23. Juli bis zum 15. Oktober 2017 im Buchheim Museum der Phantasie in Bernried am Starnberger See gezeigt.

katalog.noldeDer Katalog, in dem alle ausgestellten Werke abgebildet sind, enthält exte von Caroline Dieterich, Ulrich Luckhardt, Christian Ring, Daniel J. Schreiber und Roman Zieglgänsberger. Er ist erschienen im Verlag Hatje Cantz, Berlin 2017, 176 Seiten, 29,80 Euro.

 

Information Internationale Tage Ingelheim

i.t.iDie Internationalen Tage Ingelheim sind ein Kulturengagement von Boehringer Ingelheim seit 1959. Sie finden jährlich zwischen Mai und Juli statt.
Um Japanische Farbholzschnitte und Masken der Südsee, Antiken aus Pergamon und Werke Picassos, das Wiener Biedermeier oder den Geist der 50er Jahre in Paris kennenzulernen, bedarf es keineswegs einer Fahrt zu den großen Museen der Welt. Seit über fünf Jahrzehnten eröffnen die Internationalen Tage gleichermaßen Einblicke in die Kunst und Kultur unserer Welt, wenn das Alte Rathaus in Ingelheim am Rhein alljährlich zum Schauplatz thematischer oder monografischer Ausstellungen wird.

Am Anfang stand die Idee, im Umfeld eines international tätigen Unternehmens Ausblicke auf Leben und Kultur anderer Nationen und Völker zu stiften: Der Leitgedanke kultureller Offenheit und Fortbildung veranlasste 1959 Dr. Ernst Boehringer als Mitinhaber des Familienunternehmens Boehringer Ingelheim, ein Kulturfestival auszurichten. Die Riege der Internationalen Tage wurde nahezu über drei Jahrzehnte hinweg von dem Schweizer Dr. François Lachenal (1918–1997) angeführt. Die ersten Internationalen Tage waren dem Nachbarn Frankreich gewidmet und umfassten eine kleine Ausstellung sowie ein buntes Programm von Vorträgen bis hin zu kulinarischen Spezialitäten. Der Grundriss für die Zukunft war gezeichnet, und die Internationalen Tage sollten sich mit eigener Dynamik entwickeln. Die Ausstellungen wurden alsbald zum Kernpunkt der nun mehrwöchigen Veranstaltung, und im Jahr 1966 konnte mit Goya erstmals ein einzelner Künstler präsentiert werden.

Das vervielfachte Informationsangebot unserer Zeit erfordert und ermöglicht heute die Ausrichtung sorgfältig und wissenschaftlich begründeter Kunstpräsentationen, die lange schon auch in internationalen Fachkreisen Beachtung finden. Von 1988 bis 2012 wurden die Internationalen Tage Ingelheim von Dr. Patricia Rochard geleitet, die in monografischen wie thematischen Ausstellungen neue Akzente setzte, die sowohl Gegenwartskunst (Warhol, Tinguely) als auch das Medium Fotografie ins Zentrum rückten. 2013 übernahm Dr. Ulrich Luckhardt die Leitung der Internationalen Tage Ingelheim. Ein Rahmenprogramm sowie die feste Einbindung in das Netz einer regionalen Kultur garantieren gleichermaßen breite öffentliche Resonanz und den besonderen Stellenwert der Internationalen Tage für die gesamte Rhein-Main-Region.
Ort der Ausstellungen ist seit 1984 das ehemalige Rathaus der Stadt Ingelheim im historischen Stadtteil Nieder-Ingelheim. Im beschaulich gebliebenen Umfeld, gerade einen Steinwurf von den Resten der karolingischen Kaiserpfalz und deren Ausgrabungen entfernt, grüßt das zweistöckige, durch markante Rundfenster gegliederte Gebäude von 1860 mit stündlichem Glockenschlag.

Wegen Sanierung und Erweiterung ist das Alte Rathaus seit Sommer 2015 geschlossen. Aus diesem Grund findet 2017 die Ausstellung „Emil Nolde. Die Grotesken“ in Kooperation mit dem Museum Wiesbaden und der Nolde Stiftung Seebüll in Wiesbaden statt.

Nach dem Abschluss der Sanierungen und des Erweiterungsbaus durch das renommierte Architekturbüro Scheffler & Partner, Frankfurt am Main, erhalten die Internationalen Tage ab dem 6. Mai 2018 wieder ihren angestammten Ort – das Alte Rathaus in Nieder-Ingelheim –
zurück.

Museum Wiesbaden: Konzert Neapolitanischer Barockmusik und Enthüllung der Neapolitanischen Weihnachtskrippe

Museum Wiesbaden Ausstellungsansicht: Caravaggios Erben Barock in Neapel 14 Okt 2016 — 12 Feb 2017 Foto: Diether v. Goddenthow © atelier goddenthow
Museum Wiesbaden Ausstellungsansicht: Caravaggios Erben
Barock in Neapel
14 Okt 2016 — 12 Feb 2017 Foto: Diether v. Goddenthow © atelier goddenthow

Anlässlich der Ausstellung Caravaggios Erben, Barock in Neapel (vom 14 Okt 2016  bis 12 Feb 2017) und den Beginn der Weihnachtszeit laden die Freunde des Museums Wiesbaden am Sonntag, 11 Dez 2016, um 11 Uhr im Museum Wiesbaden ein zum Konzert Neapolitanischer Barockmusik und zur Enthüllung der neapolitanischen Weihnachtskrippe

Im Rahmen der Ausstellung Caravaggios Erben – Barock in Neapel spielt das Duo Alterno um 11 Uhr ein Konzert Neapolitanischer Barockmusik. Im Anschluss wird die Neapolitanische Weihnachtskrippe enthüllt, die als Leihgabe des Italienischen Generalkonsulats bis zum Dreikönigstag im Museum Wiesbaden präsentiert wird.

Die Neapolitanische Krippe von Giuseppe und Marco Ferrigno ist Originalen des 18. Jahrhunderts nachempfunden. Die 40 Figuren bestehen aus bemalter Terracotta und Holz, ihre Kleider aus Seide und Brokat. Neben den traditionellen Krippenfiguren sind in dieser besonderen  Krippe vor allem Persönlichkeiten und Szenen dargestellt, die das damalige Neapel prägten, wie Hirten, Waschfrauen, Handwerker und Musiker.

Der Eintritt zum Konzert kostet 5 Euro, in Kombination mit dem Eintritt zur Ausstellung 10 Euro.

„Erdreich – Boden erforschen, Schätze entdecken“ – Sonderausstellung über die Grundlage unseres Lebens ab 13.Nov. 2016 im Museum Wiesbaden

hochmoorAm 13. November 2016 hat  das Museum Wiesbaden die Ausstellung „Erdreich – Boden erforschen, Schätze entdecken“ eröffnet. Auf 700 qm Ausstellungsfläche können Erwachsene und Kinder ab acht Jahren erleben, wie aufregend die Welt der Böden sein kann. Interaktiv und informativ zeigt die Ausstellung mit vielen Mitmachstationen, was im Boden unter unseren Füßen zu entdecken ist.

„Böden entstehen in tausenden von Jahren und stecken voller Leben“ sagt die Ausstellungskuratorin Susanne Kridlo. Diese sensiblen Naturkörper könne man nicht einfach so herstellen. „Boden ist ein kostbares Gut“. Der Boden hat viele wichtige Funktionen im Naturhaushalt, er sei die Basis der menschlichen Ernährung und noch dazu bewahrt er die Spuren der Menschheitsgeschichte. Mit der Ausstellung will die Biologin Einblicke in diese unbekannte Welt unter unseren Füßen geben und die Vielfalt von Böden sowie ihren Reichtum an Lebewesen und Ressourcen erlebbar machen.

Eine Ausstellung für Feldforscher, Bodenkundler und Schatzsucher

Modell der Bodenschichten und ihrer jeweiligen Bewohner. Foto: Diether v Goddenthow
Modell der Bodenschichten und ihrer jeweiligen Bewohner. Foto: Diether v Goddenthow

Für die Ausstellung hat Susanne Kridlo eine Mitmachausstellung nach Wiesbaden geholt. Sie hat sie mit vielen Leihgaben, Objekten aus der Museumssammlung und anschaulichen Informationen über den Boden erweitert. Zu den Highlights der Ausstellung gehören der Feldhamster und sein Bau genauso wie drei Nachbauten von verschiedenen Waldböden. Kinder können die Quadratmeter ablaufen, die man braucht, um einen Hamburger herzustellen. Erwachsene haben die Möglichkeit sich über darüber zu informieren, welchen Einfluss Boden auf den Geschmack von Wein hat.

In der Mitmachausstellung für Kinder: 5 interaktive Stationen 1 riesige Ausgrabungsinsel 1 Bodenzaubermaschine 5 Böden, die spannende Geschichten erzählen. Foto: Diether v Goddenthow
In der Mitmachausstellung für Kinder:
5 interaktive Stationen
1 riesige Ausgrabungsinsel
1 Bodenzaubermaschine
5 Böden, die spannende Geschichten erzählen. Foto: Diether v Goddenthow

An den Mitmachstationen begeben sich die Kinder auf Schatzsuche. Sie lernen die Tricks der Archäologen kennen, um dem Erdreich seine Geheimnisse und Schätze zu entlocken. Mit Schaufel und Pinsel legen sie auf der großen Ausgrabungsinsel Verborgenes frei. Und wenn sie die Bodenzaubermaschine ankurbeln, dann rauscht und rumpelt es. Wie unterschiedlich Böden sein können und was sich im Untergrund abspielt, das erzählen die Böden selbst. Der eine säuselt, der andere gibt eher brummelig seine Geheimnisse und Geschichten preis.

Die faszinierende Welt unter unseren Füßen

li. Ackerboden, locker aufgrund von  Fruchtwechseln. r. verdichteter Ackerboden. Foto: Diether v Goddenthow
li. Ackerboden, locker aufgrund von Fruchtwechseln. r. verdichteter Ackerboden. Foto: Diether v Goddenthow

Fotografien, Aquarelle und Zeichnungen zeigen, wie Wissenschaftler den Boden erkunden. Zu sehen sind die kleinsten Lebewesen, die Dimensionen der Wurzeln oder der vielschichtige Aufbau von Böden und ihrem Pflanzenbewuchs.
„Wir müssen Bodenschutz stärker als Zukunftsaufgabe begreifen“, sagt die Umweltstaatssekretärin Beatrix Tappeser. „Böden bilden heute und für die nachfolgenden Generationen eine unersetzbare Lebensgrundlage. Ohne gesunde Böden können wir uns nicht ernähren“, denn die Erzeugung von Nahrungsmitteln und nachwachsenden Rohstoffen sei ohne funktionsfähige Böden nicht denkbar. „Böden filtern und speichern Wasser. Sie binden Kohlenstoff und spielen über ihre Kühlungsfunktion eine zunehmend wichtige Rolle bei der Klimaanpassung. Böden sind die Schnittstelle für die elementaren Stoffkreisläufe im Naturhaushalt“.

Böden haben Einfluss auf den Charakter von Gemüse und Früchten, insbesondere des Weines. Foto: Diether v Goddenthow
Böden haben Einfluss auf den Charakter von Gemüse und Früchten, insbesondere des Weines. 4 Hessische Weinbergböden (Leihgeber: Hessisches Landesamt für Naturschutz, Umwelt und Geologie) Foto: Diether v Goddenthow

Die Ausstellung Erdreich, so Tappeser, könne dieses Wissen und eine positive Einstellung zum Boden bereits an Kinder vermitteln. Für die integrierte Mitmachausstellung und deren Betreuung stellte das hessische Umweltministerium deshalb 100.000 Euro bereit.
Direktor Alexander Klar begeistert diese Engagement des Umweltministeriums: „Wir konnten damit nicht nur die gut gemachten Mitmachstationen übernehmen, das Museum finanziert mit diesem Beitrag eine Rundum-Betreuung der Ausstellung. Ein toller Service für unsere Besucher und insbesondere auch für Schulklassen“. So stehen in der Ausstellung „Erdreich-Experten“ bereit, um die Fragen der Besucher zu beantworten und Schulklassen in die Ausstellung einzuführen.

Die Bodenzaubermaschine, eine der vielen Mitmachstationen für Kinder. Foto: Varusschlacht im Osnabrücker Land — Museum und Park Kalkriese
Die Bodenzaubermaschine, eine der vielen Mitmachstationen für Kinder. Foto: Varusschlacht im Osnabrücker Land — Museum und Park Kalkriese

Diese Ausstellung eignet sich für alle Altersstufen und für Familien. Darüber hinaus stellt sie bei vielen Themen den Bezug zur Region her. Zahlreiche hessische Bodenprofile vom Taunus bis zum Odenwald zeigen die große Vielfalt der Böden. Aber auch die Sanierung der Böden von Altlasten ist ein Thema. „Böden sind sensible Naturkörper und vergessen nichts“, sagt Susanne Kridlo.

Davon zeugen auch Bilder der Luftbildarchäologie aus Region oder die Pflanzenreste aus früherer Besiedlungszeit regionaler Ausgrabungen.

Ein 100 mal vergrößerter Regenwurm-Kothaufen und dahinter ein Regenwurmprojektion empfängt die Besucher der Ausstellung Erdreich.Foto: Diether v Goddenthow
Ein 100 mal vergrößerter Regenwurm-Kothaufen und dahinter ein Regenwurmprojektion empfängt die Besucher der Ausstellung Erdreich.Foto: Diether v Goddenthow

An den Anfang der Ausstellung haben die Ausstellungsmacher einen Erdhaufen gesetzt, wie ihn Regenwürmer hinterlassen, nur 100mal so groß. Da Regenwürmer fruchtbaren Boden herstellen, indem sie mit ihrer Verdauungstätigkeit den Boden mit Nährstoffen anreichern, haben die Präparatoren des Museums das Modell einer Regenwurmlosung gebaut. In der Ausstellung auch der Kompostwurm gehegt: wenn man Glück hat, kann man ihn beim Bodenmachen zuschauen. Der Evolutionsbiologe Charles Darwin war es, der als erster die Bedeutung der Regenwürmer für den Boden erkannte. Außerdem beschrieb er, wie die Würmer die Spuren der Vergangenheit mit schützenden Erdschichten bedecken. So wie Darwin das Thema Boden und Archäologie verband, so tut dies auch diese Ausstellung.

Die Ausstellung entstand mit Unterstützung des Hessischen Ministeriums für Umwelt, Klimaschutz, Landwirtschaft und Verbraucherschutz.
Die Mitmachausstellung für Kinder entstand im Haus der Varusschlacht im Osnabrücker Land — Museum und Park Kalkriese.

r.Ausstellungskuratorin Dipl.-Biol. Susanne Kridlo und Umweltstaatssekretärin Dr. Beatrix Tappeser (2.v.r.) während der Pressebesichtigung vor einem 5 m langen Wurzelpräparats des Lösslöwenzahns (Leihgeber: Landesmuseum Kärnten, Botanikzentrum) Foto: Diether v Goddenthow
r.Ausstellungskuratorin Dipl.-Biol. Susanne Kridlo und
Umweltstaatssekretärin Dr. Beatrix Tappeser (2.v.r.) während der Pressebesichtigung vor einem 5 m langen Wurzelpräparats des Lösslöwenzahns (Leihgeber: Landesmuseum Kärnten, Botanikzentrum) Foto: Diether v Goddenthow

Umweltstaatssekretärin Dr. Beatrix Tappeser über die Ausstellung: „Wir müssen Bodenschutz stärker als Zukunftsaufgabe begreifen. Böden bilden heute und für die nachfolgenden Generationen eine unersetzbare Lebensgrundlage. Ohne gesunde Böden können wir uns nicht ernähren.

22 unterschiedliche Spaten, dabei sind regionale Besonderheiten und historische Formen sowie Spaten aus Neuseeland und aus Ungarn (Leihgeber Prof. Dr. Klaus Mueller, Osnabrück) Foto: Diether v Goddenthow
22 unterschiedliche Spaten, dabei sind regionale Besonderheiten und historische Formen sowie Spaten aus Neuseeland und aus Ungarn (Leihgeber Prof. Dr. Klaus Mueller, Osnabrück) Foto: Diether v Goddenthow

Denn die Erzeugung von Nahrungsmitteln und nachwachsenden Rohstoffen ist ohne funktionsfähige Böden nicht denkbar. Böden filtern und speichern Wasser. Sie binden Kohlenstoff und spielen über ihrer Kühlungsfunktion eine zunehmend wichtige Rolle bei der Klimaanpassung. Böden sind die Schnittstelle für die elementaren Stoffkreisläufe im Naturhaushalt. Die Ausstellung Erdreich ist bestens geeignet, dieses Wissen und eine positive Einstellung zum Boden bereits an Kinder zu vermitteln. Für die integrierte Mitmachausstellung stellt das hessische Umweltministerium deshalb 100.000 Euro bereit.“

Ort:
Museum Wiesbaden
Hessisches Landesmuseum für Kunst und Natur Friedrich-Ebert-Allee 2, 65185 Wiesbaden Fon 0611 ⁄335 2250, Fax 0611 ⁄335 2192 www.museum-wiesbaden.de
museum@museum-wiesbaden.de

Öffnungszeiten
Mo geschlossen Di, Do 10:00—20:00 Uhr Mi, Fr—So 10:00—17:00 Uhr
An Feiertagen 10:00—17:00 Uhr geöffnet.
Auch Ostermontag und Pfingstmontag geöffnet.

Eintritt
Sonderausstellung* 10,— Euro (7,— Euro) * Eintritt in die Sonderausstellungen beinhaltet den Besuch der Sammlungen. Familienangebot: Kinder und Jugendliche bis 18 Jahre in Begleitung ihrer Eltern freier Eintritt. Weitere Ermäßigungen und Tarife für Gruppen unter www.museum-wiesbaden.de ⁄preise

Verkehrsanbindung
PKW und Reisebusse: A 66, Abfahrt Wiesbaden-Erbenheim, Richtung Stadtmitte, Parkhaus Rheinstraße Bahn: Zum Hbf Wiesbaden mit DB und S1, S8 und S9 aus Richtung Frankfurt und Mainz. Vom Hbf 10 min Fußweg zum Museum Linienbusse: Rheinstraße und Wilhelmstraße

Service
Schwellenfreier Zugang: Aufgrund von Baumaßnahmen verlegt. Bitte folgen Sie der Beschilderung am Haupteingang. Museumsshop: Fon 0611 ⁄ 335 2251

 

Führungen und Veranstaltungen zur Ausstellung
Führungstermine

Donnerstags um 18:00 Uhr und sonntags um 11:00 Uhr laden wir Sie zu öffentlichen Führungen durch die Naturhistorischen Sammlungen und die Sonderausstellung Erdreich – Boden erforschen, Schätze entdecken ein.
Die aktuellen Themen finden Sie im Veranstaltungskalender der Interseite.

Vorträge
Di 13 Dez 2016, 18:00 Uhr
Unter unseren Füßen — Biologische Vielfalt im Boden.

Mit Prof. Dr. Willy Xylander, Senckenberg, Görlitz
Di 10 Jan 2017, 18:00 Uhr
Feldhamster, es gibt sie noch – Forschung und Schutz im Rhein-Main-Gebiet

Mit Dipl. Biol. Tobias Erik Reiners, Senckenberg
Di 14 Feb 2017, 18:00 Uhr
Wie schmeckt Boden? Mit anschließender Verkostung

Mit Prof. Dr. Löhnertz, Geisenheim
Di 14 Mär 2017, 18:00 Uhr
Böden als Archive der Kulturgeschichte

Mit Prof. Dr. Heinrich Thiemeyer, Frankfurt am Main
Di 11 Apr 2017, 18:00 Uhr
Bodennutzung und Bodenschutz Mit Dr. Helmut Arnold, Wiesbaden

Exkursionen
Bodenexkursionen in Kooperation mit dem Regionalparkportal Weilbacher Kiesgruben anlässlich der Ausstellung „Drüber & Drunter — der Regionalpark einmal unterirdisch“ (ab 5. März 2017)
Sa 1 Apr 2017, 10:00 – 15:00 Uhr
„Boden on Tour“ — Eine geführte Boden-Exkursion mit dem Rad.
Vom Treffpunkt Museum Wiesbaden zum Regionalparkportal Weilbacher Kiesgruben. Um Anmeldung wird gebeten: Fon 0611 ⁄ 335 2240
So 9 Apr 2017, 14:00 – 16:00 Uhr

„Bohrprobe — Mit dem Experten in der Kiesgrube unterwegs“.
Eine sinn- und lehrreiche Exkursion für Jung und Alt. Regionalparkportal und Naturschutzhaus Weilbacher Kiesgruben. Frankfurter Straße 76, 65439 Flörsheim am Main
Film
In Kooperation mit dem Umweltamt und Kulturamt Wiesbaden im Rahmen der Natur- und Umweltfilmreihe „Atlantis update“.
Mi 7 Dez 2016, 20:00 Uhr

Die Caligari FilmBühne zeigt den Film 1ha 43a von Monika Pirch.
Im Anschluss diskutieren die Filmemacherin Monika Pirch und der Bodenexperte und Landwirt Dr. Ralf Schaab mit der Ausstellungskuratorin Susanne Kridlo.
Angebote für Kinder und Familien
Sa 19 Nov 2016, 11:00 – 13:30 Uhr

Museumswerkstatt für Kinder:
„Leben im Verborgenen“ – Gestalterisches Arbeiten zur Ausstellung
Erdreich
Sa 14 Jan 2017, 11:00 – 13:30 Uhr
Museumswerkstatt für Kinder:
„Leben im Verborgenen“ – Wir gestalten Bodenquerschnitte mit selbst hergestellten Erdfarben
So 22 Jan 2017, 10:30 – 13:00 Uhr
Natur unter die Lupe genommen:
Was tut sich unter meinen Füßen – Experimente zur Bodenkunde
So 19 Feb 2017, 10:30 – 13:00 Uhr
Natur unter die Lupe genommen:
Was tut sich unter meinen Füßen – Experimente zur Bodenkunde 2
So 19 Feb 2017, 11:00 – 14:00 Uhr
Offenes Atelier für Kinder und Familien
So 19 Mär 2017, 10:30 – 13:00 Uhr
Natur unter die Lupe genommen:
Was tut sich unter meinen Füßen – Experimente zur Bodenkunde 3
So 19 Mär 2017, 11:00 – 14:00 Uhr
Offenes Atelier für Kinder und Familien
Sa 25 Mär 2017, 11:00 – 13:30 Uhr

Museumswerkstatt für Kinder:
„Ringli, der Regenwurm, erklärt“ – Erkundungen in der Ausstellung Erdreich – Boden erforschen, Schätze entdecken

Angebote für Gruppen
Auch Schulklassen und Gruppen ohne Führungswunsch werden gebeten, sich anzumelden, damit die Erdreich-Experten an den Mitmachstationen als Begleitung zur Verfügung stehen können.
Schul- und Kindergartengruppen (ohne Führung)
Eintritt: 2,— Euro ⁄ Kind, 2 Betreuer frei
Dauer: mind . 60 Minuten (davon 45 Minuten Mitmachstationen)

Führung
Dauer: 90 Minuten (45 Minuten Führung + 45 Minuten Mitmachstationen)
Kosten für Schulund Kindergartengruppen:
45 ,— Euro zzgl . 2 ,— Euro Eintritt ⁄ Kind , 2 Betreuer freier

Eintritt
Kosten für Privatgruppen: 70,— Euro zzgl . Eintritt
Führung mit Workshop
Dauer: 135 Minuten (3 Schulstunden)

Kosten für Schulund Kindergartengruppen:
90,— Euro zzgl. 2,— Euro Eintritt ⁄ Kind, 2 Betreuer freier Eintritt Kosten für Privatgruppen: 150,—
Alle Themen der Führungen und Workshops unter www.museumwiesbaden.de⁄edu

Buchung ⁄ Anmeldung
Anmeldung für Schulund Kindergartengruppen: Fon 0611 ⁄ 335 2185
oder bildungundvermittlung@museumwiesbaden.de
Anmeldung für Privatgruppen: Fon 0611 ⁄ 335 2240 oder
fuehrungen@museumwiesbaden.de

Ort:
Museum Wiesbaden
Hessisches Landesmuseum für Kunst und Natur Friedrich-Ebert-Allee 2, 65185 Wiesbaden Fon 0611 ⁄335 2250, Fax 0611 ⁄335 2192 www.museum-wiesbaden.de
museum@museum-wiesbaden.de

„Kollwitz und Barlach Im Tod vereint“ als 3. Teil des Zyklus „Erster Weltkrieg in der Malerei“ ab 29. Juli 2016 im Museum Wiesbaden

Ernst Barlach Gruppe aus drei Figuren  Der Tod, 1925 Museum Wiesbaden Foto: © massow-picture
Ernst Barlach. Gruppe aus drei Figuren
Der Tod, 1925
Museum Wiesbaden Foto: © massow-picture

Mit  der  einzigartigen Ausstellung „Kollwitz und Barlach Im Tod vereint“, ab 29. Juli 2016 als dritter Teil des Zyklus „Erster Weltkrieg in der Malerei“, schließt das Museum Wiesbaden  den Reigen von sehr kriegsbejahender Propaganda-Kunst eines Fritz Erlers bis hin zur Antikriegskunst von Käthe Kollwitz und Ernst Barlach.

Nach „Fritz Erler in Verdun Von der Scholle in den Krieg“ und „August Macke zu Gast bei Jawlensky“ präsentiert das Museum Wiesbaden  parallel zu den beiden genannten Ausstellungen jetzt erstmals aus seinen eigenen Beständen, ergänzt durch Leihgaben des Käthe-Kollwitz-Museums Köln und aus Privatsammlungen, mit insgesamt 75 Werken eine  beeindruckende Werkschau  von Käthe Kollwitz (1867–1945) und Ernst Barlach (1870–1938).

Kurator Roman Zieglgänsberger führt durch die Ausstellung. Im Vordergrund die Barlach-Skulptur "Der Flötenbläser", der symbolisch für die innere Emigration und Rückzug ins Private im Dritten Reich steht. Foto: © massow-picture
Kurator Roman Zieglgänsberger führt durch die Ausstellung. Im Vordergrund die Barlach-Skulptur „Der Flötenbläser“, der symbolisch für die innere Emigration und den Rückzug ins Private  steht. Foto: © massow-picture

Kuratiert wurde die Ausstellung von Roman Ziegelgänsberger und Sibylle Discher, wissenschaftlich-kuratorische Aussistentin.

Von beiden, seit 1907 eng miteinander befreundeten Künstlern, die es neben ihrer bildhauerischen Tätigkeit vor allem auch durch ihre sozialkritischen Grafiken zu Weltruhm gebracht haben, befinden sich zentrale, bislang selten gezeigte Werke in der Sammlung des Museums. Die bedeutendste Kollwitz-Arbeit darunter stellt eine Selbstbildnis-Zeichnung aus den Zwischenkriegsjahren dar. Wertvolle Leihgaben aus dem Käthe Kollwitz-Museum Köln ermöglichen es, sie in einer Kabinettausstellung zu zeigen mit Themenkomplexen wie „Bilder von Frauen und Männern“, Selbstbildnissen, sozialkritische Werke und Kriegsdarstellungen.

barlach-reiseVon Barlach werden sowohl Skulpturen wie die berühmte Plastik Der Tod präsentiert, als auch Zeichnungen, die während seiner sagenumwobenen Russlandreise im Jahr 1906 entstanden sind. Auf dieser abenteuerlichen Fahrt, die ihn gemeinsam mit seinem Bruder Nikolaus von Warschau über Kiew bis nach Belgorod und Bachov in den Süden des Landes führte und er im Nachhinein 1912 unter dem Titel „Steppenfahrt“ beschrieb, fand Barlach insbesondere durch die Beobachtung der einheimischen Bevölkerung, die er in spontanen Skizzen festhielt, zu seinem unverwechselbaren expressiv-poetischen Stil.

Käthe Kollwitz. Die Klage. Modell von 1938-40 Foto: © massow-picture
Käthe Kollwitz. Die Klage. Modell von 1938-40 Foto: © massow-picture

In dem ausgestellten Relief Die Klage, in dem Kollwitz den Tod ihres Freundes „beklagt“, solidarisiert sie sich mit Barlach und dessen Werk.
Wie Dr. Alexander Klar Direktor Museum Wiesbaden, im  Begleit-Katalog ausführt, spielt der Untertitel der Ausstellung „Im Tod vereint“ auf das traurige Ende beider eng befreundeten Künstler an, die vom politischen Unrechtsregime der Nationalsozialisten als „entartet“ diffamiert. Beide mussten aus der Preußischen Akademie der Künste, deren Mitglied sie waren, austreten, erhielten Ausstellungsverbot und wurden in die innere Emigration gedrängt.

„Die Erlösung aus dieser dunklen Zeit sollten sie nicht mehr erleben. Kollwitz zeichnete Ernst Barlach nach dessen Totenfeier im Sarg und schuf das weltberühmte Relief Die Klage, in dem sie sich selbst darstellte, wie sie das Ableben des Freundes betrauert. Barlach wiederum hatte bereits 1927 der Freundin als  Schwebender Engel (Antoniuskirche zu Köln) ein Denkmal geschaffen. Immer wieder und über ihr gesamtes Wirken hinweg haben sich beide mit dem Tod auseinandergesetzt: Barlach beispielsweise, indem er aus der klassischen Ikonografie der Pietà die allgemeingültige Figurengruppe Der Tod entwickelte, die nunmehr allen Menschen gewidmet war, nicht nur Christen.

Käthe Kollwitz. Ruf des Todes.1937  (Blatt 8 der Folge "Tod"). Foto: © massow-picture
Käthe Kollwitz. Ruf des Todes.1937 (Blatt 8 der Folge „Tod“). Foto: © massow-picture

Kollwitz hingegen beschäftigte das Thema nicht nur als Mutter oder Revolutionärin, sondern auch ganz direkt auf ihre eigene Person bezogen, etwa in dem Moment als die Künstlerin 1943 kurz vor ihrem Ableben das ergreifende Blatt Da stehe ich und grabe mir mein eigenes Grab zeichnete.“

Laufzeit der Ausstellung: 29 Jul – 23 Okt 2016

Begleitband zur Ausstellung:

begleitbandkollwitzRoman Zieglgänsberger,   Sibylle Discher für das Museum Wiesbaden (Hrsg.): Kollwitz und Barlach. Im Tod vereint. Mit einem Bestandsverzeichnis der Werke von Käthe Kollwitz und Ernst Barlach im Museum Wiesbaden, Verlag Museum Wiesbaden, Wiesbaden 2016, 180 Seiten, Euro 20,00,  ISBN 978-3-89258-109-3

 

Biographie Käthe Kollwitz

1867- 1885
Käthe Schmidt wird 1867 in Königsberg geboren. Ersten Unterricht erhält sie bei dem Maler Gustav Naujok und dem Kupferstecher Rudolf Maurer.
1886–90
Zunächst studiert sie an der Berliner Künstlerinnenschule, bevor sie ab 1888 an die Damenakademie in München wechselt.
1890–98
Nach der Heirat mit dem Arzt Karl Kollwitz ziehen beide nach Berlin, wo die Söhne Hans und Peter geboren werden. Es entsteht der Grafikzyklus Ein Weberaufstand, der ihr zum Durchbruch verhilft.
1899–1908
Erste Werke gelangen in deutsche Museen. Ab 1901 wird Kollwitz Mitglied der Berliner Secession. Sie lernt 1904 in Paris Auguste Rodin kennen. Der begehrte Villa-Romana-Preis verhilft ihr 1907 zu einem Stipendium in Florenz.
1908–18
Erste gesellschaftskritische Arbeiten entstehen für den Simplicissimus. Ab 1909 beginnt Kollwitz plastisch zu arbeiten. Die Künstlerin wird 1912 als erste Frau in den Vorstand der Berliner Secession gewählt, ein Jahr später wechselt sie zur Freien Secession. Der Verlust ihres Sohnes Peter, der 1914 Opfer des Ersten Weltkriegs wird, veranlasst sie, die Sinnlosigkeit des Krieges öffentlich anzuprangern. Die besondere Tragik war: Sie hatte ihrem Mann überredet, dem damals 17jährigen Peter zu erlauben, sich freiwillig als Soldat zu melden. Aus diesem Umstand heraus ist Ihr besonderes Engagement gegen Krieg zu verstehen.
1919–32
Kollwitz wird Mitglied der Preußischen Akademie der Künste in Berlin und zur Professorin ernannt. Angeregt durch Ernst Barlach wendet sie sich dem Holzschnitt zu. 1928 übernimmt sie die Leitung des Meisterateliers für Graphik und ein Jahr später erhält sie den Orden Pour le Mérite der Friedensklasse für Wissenschaft und Künste.
1933–45
Nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten ist die Künstlerin gezwungen, ihre Ämter niederzulegen. Ihre Arbeiten werden aus dem öffentlichen Raum entfernt, Ausstellungen abgesagt. Im Bombenhagel wird ihr Atelierhaus zerstört. Käthe Kollwitz stirbt am 22. April 1945 in Moritzburg bei Dresden.

Biografie –  Ernst Barlach

1870–1906
Ernst Barlach wird 1870 als ältester von vier Söhnen in Wedel geboren. An der Hamburger Kunstgewerbeschule erlernt Barlach den Beruf des Zeichners. Es folgt ein Studium an der Königlichen Akademie der bildenden Künste zu Dresden. Durch seinen Lehrer, den Bildhauer Robert Diez, gelangt Barlach zu einer naturalistischen Formensprache. Er reist wiederholt nach Paris und entdeckt dort den Jugendstil für sich. Für einen Lehrauftrag an der Königlichen Keramischen Fachhochschule kommt er 1904 nach Höhr, stürzt jedoch wenig später in eine schwere Schaffenskrise und zieht nach Berlin.
1906–10
Auf einer Reise nach Südrussland sucht Barlach nach Zerstreuung. Die dortigen Eindrücke verhelfen ihm zum künstlerischen Durchbruch. In Berlin beteiligt er sich an der 13. Secessions Ausstellung, wodurch Paul Cassirer auf ihn Aufmerksam wird. Er erhält ein Florenz-Stipendium in der Villa Romana.
1910–19
Barlach zieht nach Güstrow und wird Vorstandsmitglied der Berliner Secession. Sein erstes Drama Der tote Tag erscheint 1912, weitere folgen. Während des Kriegs rückt die bildhauerische Tätigkeit vorübergehend in den Hintergrund, er widmet sich der Dichtung und Grafik sowie ab 1918 erstmals dem Holzschnitt.
1919–33
Wie Kollwitz wird Barlach in Berlin Mitglied der Preußischen Akademie der Künste. In dichter Folge entstehen Illustrationen zu seinen Dramen. 1925 wird er Ehrenmitglied der Akademie der bildenden Künste in München, ab 1927 entstehen zahlreiche plastische Arbeiten für den öffentlichen Raum.
1933–38
Barlachs Werke werden sukzessive aus der Öffentlichkeit entfernt. Der Künstler erhält Ausstellungsverbot und wird zum Austritt aus der Preußischen Akademie der Künste gezwungen. Am 24. Oktober 1938 verstirbt Barlach in Rostock.

Raum 1 der Ausstellung "Kollwitz und Barlach. Im Tode vereint" Foto: © massow-picture
Raum 1 der Ausstellung „Kollwitz und Barlach. Im Tode vereint“ Foto: © massow-picture

Führungen und Veranstaltungen zur Ausstellung

Führung
So 31 Juli 15:00 Uhr
So 7 August 15:00 Uhr
Sa 13 August 15:00 Uhr
Sa 20 August 15:00 Uhr
Sa 27 August 15:00 Uhr
So 4 September 15:00 Uhr
Sa 10 September 15:00 Uhr
So 18 September 15:00 Uhr
Sa 1 Oktober 15:00 Uhr
So 9 Oktober 15:00 Uhr
So 23 Oktober 15:00 Uhr

KunstPause
Mi 28 September 12:15 Uhr
Ernst Barlach – Die Skulpturen

Art After Work
Di 20 September 19:00 Uhr
„Enge Freunde“ – Käthe Kollwitz und Ernst Barlach

Kunst&Kuchen
Do 11 August 15:00 Uhr

Kunst&Religion
Di 11 Oktober 18:30 Uhr
„Ich steh an meinem Grab…“, Ernst Barlach, Der Tod, 1925 und
Käthe Kollwitz, Die Klage, 1938-40

60+
Di 20 September 15:00 Uhr

Vermittlungsangebote für Kinder und Familien
Edu
Sa 10 September 11:00 – 13:30 Uhr
Museumswerkstatt für Kinder: „Was Gesichter über das Leben
verraten“, Zeichnen nach Werken von Barlach und Kollwitz

Di 20 September 15:00 – 18:00 Uhr
Lehrerfortbildung Kollwitz und Barlach
Vermittlungsangebote für Schulklassen

Edu-spezial ab 10.Klasse bis Oberstufe
Bilder für den Krieg – Bilder gegen den Krieg.
Der erste Weltkrieg in der Malerei, von Werken des glühenden
Nationalsozialisten und Kriegsbefürworter Fritz Erler auf der einen, zu Arbeiten von Käthe Kollwitz und Ernst Barlach auf der anderen Seite. Diese Maler Letztere setzten sich mit dem Leid und Elend des Kriegs künstlerisch fruchtbar auseinander – woran kann man die jeweilige Haltung zum Krieg am Bild selbst erkennen?

Bildgespräch in den Ausstellungen
Fritz Erler in Verdun – Von der Scholle in den Krieg und
Kollwitz und Barlach – Im Tod vereint

Anmeldung/Beratung 0611 335 – 2185 und
bildungundvermittlung@museum-wiesbaden.de
Museum Wiesbaden
Hessisches Landesmuseum für Kunst und Natur
Friedrich-Ebert-Allee 2, 65185 Wiesbaden
Fon 0611 ⁄335 2250, Fax 0611 ⁄335 2192
www.museum-wiesbaden.de
museum@museum-wiesbaden.de

Öffnungszeiten
Mo geschlossen
Di, Do 10:00—20:00 Uhr
Mi, Fr—So 10:00—17:00 Uhr
An Feiertagen 10:00—17:00 Uhr geöffnet.
Auch Ostermontag und Pfingstmontag geöffnet.

Eintritt
Sonderausstellung* 10,— Euro (7,— Euro)
* Eintritt in die Sonderausstellungen beinhaltet den Besuch der
Sammlungen. Familienangebot: Kinder und Jugendliche bis 18 Jahre
in Begleitung ihrer Eltern freier Eintritt. Weitere Ermäßigungen und
Tarife für Gruppen unter www.museum-wiesbaden.de ⁄preise

Verkehrsanbindung
PKW und Reisebusse: A 66, Abfahrt Wiesbaden-Erbenheim,
Richtung Stadtmitte, Parkhaus Rheinstraße
Bahn: Zum Hbf Wiesbaden mit DB und S1, S8 und S9 aus Richtung
Frankfurt und Mainz. Vom Hbf 10 min Fußweg zum Museum
Linienbusse: Rheinstraße und Wilhelmstraße

Service Service
Schwellenfreier Zugang links des Haupteingangs.
Ausleihbare Rollstühle, Buggies und Sitzhocker im Foyer.
Museumsshop: Fon 0611 ⁄ 335 2251

Aus dem Neunzehnten: Von Schadow bis Schuch 13 Nov 2015 — 22 Mai 2016 im Landesmuseum Wiesbaden

Aus dem Neunzehnten – Von Schadow bis Schuch Ausstellungsansicht im Museum Wiesbaden, 2015 Foto: Museum Wiesbaden/Bernd Fickert
Aus dem Neunzehnten – Von Schadow bis Schuch Ausstellungsansicht im Museum Wiesbaden, 2015 Foto: Museum Wiesbaden/Bernd Fickert

Das 19. Jahrhundert steckte voller politischer Umbrüche, die auch die Kunst beeinflussten: In der ersten Hälfte entwickelte sie sich von der gefühlsbetonten Romantik über das Biedermeier hin zum Historismus, der sich auf ältere Stilrichtungen besann. Später stellten die Künstler mit Realismus und Impressionismus die Weichen für die Moderne. Das Museum Wiesbaden zeigt diese Entwicklung unter anderem mit Bildern von Andreas und Oswald Achenbach, Anselm Feuerbach und Franz Carl Spitzweg. Einige dieser einzigartigen Werke sind vom 13. November 2015 bis 22. Mai 2016 jetzt erstmals in Wiesbaden zu sehen.

Adolf Ehrhardt Die Töchter Clara und Anna des Künstlers, 1844 Museum Wiesbaden, ©  Hessisches Landesmuseum Wiesbaden
Adolf Ehrhardt Die Töchter Clara und Anna des Künstlers, 1844 Museum Wiesbaden, © Hessisches Landesmuseum Wiesbaden

Die Ausstellung „Aus dem Neunzehnten“ führt uns durch das „lange“ 19. Jahrhundert, dessen stilistische Entwicklung sich von der Romantik über das Biedermeier und den Anfängen des Historismus erstreckte, um dann ab den 1850er Jahren mit dem Realismus und dem Impressionismus die entscheidenden Weichen für die Moderne zu stellen. Exemplarisch werden die jeweiligen künstlerischen Positionen und der sich daraus ergebende Transformationsprozess in der Ausstellung thematisiert. Was ursprünglich als kleine Präsentation geplant war, entwickelte sich im Zuge der Forschungen des Kurators Peter Forster zu einer großen Überblicksausstellung. Einen Schwerpunkt bildet der quantitativ wie qualitativ hochwertige Anteil an Werken von Louis Eysen, dessen Vielseitigkeit die dichte Hängung, die an Fotoaufnahmen seines Ateliers anlehnt, verdeutlicht. Darüber hinaus lassen sich Veränderungen des Menschenbildes und der Landschaftsauffassung an Beispielen von Hermann von Kaulbach, Wilhelm Trübner, Johann Wilhelm Schirmer oder Hans Thoma nachvollziehen. Gezeigt werden insgesamt über 120 Werke, die teils zum eigenen Bestand des Hauses gehören, wie auch Leihgaben aus bedeutenden Privatsammlungen sind und eine einzigartige Ergänzung darstellen. Viele sind bislang nicht öffentlich gezeigt worden. Die Vielschichtigkeit der hohen künstlerischen Produktivität dieser Epoche verdichtet sich in der Ausstellung anhand der Werke von rund 40 Künstlern zu einem facettenreichen und lebendigen Bild des 19. Jahrhunderts.

Otto Scholderer Bildnis einer jungen Dame mit Sonnenschirm / Luise Scholderer, 1870 Museum Wiesbaden,©  Hessisches Landesmuseum Wiesbaden
Otto Scholderer
Bildnis einer jungen Dame mit Sonnenschirm / Luise Scholderer, 1870
Museum Wiesbaden,© Hessisches Landesmuseum Wiesbaden

Die Ausstellung „Aus dem Neunzehnten. Von Schadow bis Schuch“ ist ab dem 13. November zu den normalen Öffnungszeiten des Museums Wiesbaden zu sehen: dienstags und donnerstags von 10 bis 20 Uhr sowie mittwochs, freitags und am Wochenende von 10 bis 17 Uhr. Montags bleibt das Museum geschlossen.

Öffnungszeiten
Mo geschlossen
Di, Do 10:00—20:00 Uhr
Mi, Fr—So 10:00—17:00 Uhr
An Feiertagen 10:00—17:00 Uhr geöffnet.
Auch Ostermontag und Pfingstmontag geöffnet.

Eintritt
Sonderausstellung* 10,— Euro (7,— Euro)
* Eintritt in die Sonderausstellungen beinhaltet den Besuch der
Sammlungen.

Familienangebot: Kinder und Jugendliche bis 18 Jahre in Begleitung
ihrer Eltern freier Eintritt.

Verkehrsanbindung
PKW und Reisebusse: A 66, Abfahrt Wiesbaden-Erbenheim,
Richtung Stadtmitte, Parkhaus Rheinstraße
Bahn: Zum Hbf Wiesbaden mit DB und S1, S8 und S9 aus Richtung
Frankfurt und Mainz. Vom Hbf 10 min Fußweg zum Museum
Linienbusse: Rheinstraße und Wilhelmstraße

Service
Schwellenfreier Zugang links des Haupteingangs.
Ausleihbare Rollstühle, Buggies und Sitzhocker im Foyer.
Museumsshop: Fon 0611 ⁄ 335 2251

Museum Wiesbaden
Hessisches Landesmuseum
für Kunst und Natur
Friedrich-Ebert-Allee 2, 65185 Wiesbaden
Fon 0611 ⁄335 2250, Fax 0611 ⁄335 2192
www.museum-wiesbaden.de
museum@museum-wiesbaden.de

Katsura Funakoshi Sphinx – Skulpturen und Zeichnungen im Hessischen Landesmuseum Wiesbaden ab 23. Okt. 2015

© Hessisches Landesmuseum Wiesbaden
© Hessisches Landesmuseum Wiesbaden

Katsura Funakoshi Sphinx Der in Japan geborene und in Tokyo lebende Katsura Funakoshi (*1951) verbindet mit seinen Arbeiten japanische Kultur mit Einflüssen der europäischen Kunstgeschichte aus dem Mittelalter, der Romantik und der zeitgenössischen Kunst. Ausgangspunkt seiner Werke ist stets der Mensch ins seiner „Vielheit“. Der Künstler begibt sich unter Menschen, beobachtet sie und erfasst bestimmte Momente skizzenhaft und entwickelt daraus in seinem winzigen Atelier in Tokyo spannungsreiche, anatomisch häufig befremdlichen Skulpturen. Den Weg nimmt er über die Zeichnung, in der er die Form der Figur entwickelt. Einige dieser kraftvollen und zum Teil großformatigen Zeichnungen unterstreichen die durchdachte und konzentrierte Arbeitsweise des Künstlers. Wirken sie doch trotz ihrer starken Konturierung zerrissen durch die Verwischung der Umrisslinien. Es entsteht ein Fließen zwischen dem Innen und Außen der Figuren. Erst, wenn ihn die Ausstrahlung der Figur auf der Zeichnung überzeugt, greift er zu einem Stück Kampferholz und fertigt Kopf und Korpus. Mit „A Sound of Lunar Eclipse“ (2004) entwickelte er eine weibliche Figur, die erstmalig ohne Modell auskam. Mit diesem Schritt befreite er sich vom Abbildhaften und bereitete sich selbst den Weg zu der androgynen Form von „A Tale of the Sphinx“ (2004). Die Figur geht zurück auf die Sphinx des frühromantischen Romans „Heinrich von Ofterdingen“ (1800) von Novalis alias Friedrich von Hardenberg (1772—1801). Sie gilt als Torwächterin und bildet die Hürde zum Gewinn von Erkenntnis. Diese Funktion übernehmen speziell die Augen bei Funakoshis Arbeiten. Er setzt auffallende, marmorne Augen als kommunikative Elemente ein. Als Organe des Sehens, Beobachtens und Erkennens versetzen sie den Künstler an die Position der Sphinx von Novalis. Funakoshi überträgt diese Leistung auf seine Skulpturen und gestaltet sie so zur Allegorie der künstlerischen Muse, die den Dialog mit ihrem Betrachter herausfordernd sucht.

Katsura Funakoshi Biografie

1951 Geboren in Morioka, Präfektur Iwate, Japan
1971—75 Studiert an der Tokyo Zokei University of Art and Design, B.A.
1975—77 Weiterführendes Studium an der Tokyo National University of Fine Arts and Music, M.A.
1984 Ausgezeichnet mit dem Kunstpreis Oyama-City with Sculpture
1986—87 Aufenthalt in London mit dem Austauschprogramm der japanischen Regierung für Künstler

Seit 1976 jährlich Teilnehmer von Gruppenausstellungen vornehmlich in Japan, aber auch USA, Großbritannien, Brasilien (The XX Sao Paulo Biennale 1989), Australien, Deutschland (u.a. documenta IX 1992, EXPO 2000 Hannover), Niederlande (2001), China (2013).
Seit 1982 zahlreiche Einzelausstellungen vornehmlich in Japan, aber auch New York (1989, u.w.), San Francisco (1994), Deutschland (2000, u. w.), Frankreich (2006) und China (2013).

Ausgezeichnet mit verschiedenen Preisen: 1st Takashimaya Charitable Trust for Art and Culture Prize (1991), 26th Nakahara Teijiro Prize for Excellence (1995), 18th Hirakushi Denchu Prize (1997), 33rd Nakahara Teijiro Prize (2003), 50th Mainichi Art Award (2009) und dem 59th Ministry of Education, Culture, Sports, Science and Technology Art Encouragement Award (2009).

Ausgezeichnet mit der japanischen Ehrenmedaille Medal with Purple Ribbon (2011) Seit 1985 Lehrveranstaltungen an National University of Fine Arts and Music (bis 1986) und seit 1989 an der Zokei University of Art and Design, Tokyo (Gastprofessur) Lebt und arbeitet in Tokyo.

Führungen und Veranstaltungen zur Ausstellung
Öffentliche Führungen
Di 10 Nov 18:00
Di 24 Nov 18:00
Di 1 Dez 18:00
Sa 5 Dez 15:00

KunstPause
Mi 18 Nov 12:15

Art after Work
Di 15 Dez 19:00

Ort:
Hessisches Landesmuseum Wiesbaden
Friedrich-Ebert-Allee 2,
65185 Wiesbaden
www.museum-wiesbaden.de

Karl Schmidt-Rottluff Bild und Selbstbild vom 2 Okt 2015—17 Jan 2016 im Hessischen Landesmuseum Wiesbaden

Heute, 1. Oktober 2015, 19.00 Uhr Vernissage

Karl Schmidt-Rottluff Bild und Selbstbild
2 Okt 2015—17 Jan 2016

Schmidt-Rottluff Selbstbildnis 1919© Hessisches Landesmuseum Wiesbaden
Schmidt-Rottluff Selbstbildnis 1919© Hessisches Landesmuseum Wiesbaden

Das Museum Wiesbaden und das Brücke-Museum Berlin, das die weltweit bedeutendste Sammlung zum Künstler beherbergt, präsentieren die Ausstellung „Karl Schmidt-Rottluff – Bild und Selbstbild“. Neben über einhundert Werken des Malers sind Selbstbildnisse und Porträts seiner berühmten Weggefährten wie Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Otto Mueller oder Emil Nolde vertreten.

Von den Gründungsmitgliedern der Dresdner Künstlervereinigung „Brücke“ hat sich am häufigsten Karl Schmidt- Rottluff (1884—1976) selbst porträtiert. Ausgangspunkt sind daher die etwa 70 Selbst-porträts des Künstlers (Malerei, Zeichnung, Druckgrafik). Mit ihnen werden die unterschiedlichen Werkphasen seiner Malerei in der Ausstellung thematisiert.

Nach zwei wichtigen Selbstbildnissen der „Brücke“-Zeit (1905—1913) folgen die hoffnungsvollen Zwischenkriegsjahre mit ihrer Aufbruch-stimmung von 1919 bis 1930, in welchen Schmidt-Rottluff sich häufig selbst dargestellt hat. Auch privat findet er mit Emy Frisch seine Lebenspartnerin, die er kurz nach dem ersten Weltkrieg heiratet und in vielen Porträts festhalten sollte. Gerade an ihren Bildnissen wird deutlich, dass Schmidt-Rottluff sich selbst als ausgleichendes beziehungsweise ergänzendes Pendant mitgedacht hat. Emy ist Teil von Schmidt-Rottluffs künstlerischem Kosmos und erscheint als selbstverständlicher Bestandteil seiner Lebenswelt. Dabei hat er sie, dem künstlerischen Stil der jeweiligen Zeit entsprechend, gestaltet. Diesen Bildnissen, von denen die meisten hier erstmals der Öffentlichkeit vorgestellt werden, ist ein wesentlicher Teil der Ausstellung gewidmet.

Während des Nationalsozialismus schuf Schmidt-Rottluff, der nicht nur Berufsverbot hatte, sondern auch als vom politischen System angefeindeter Expressionist 1937 auf der Schandausstellung „Entartete Kunst“ in München mit über 50 Werken vertreten war, bemerkenswerter Weise nur ein einziges Selbstbildnis. In diesen Jahren entstand demgegenüber eine Vielzahl von Darstellungen, die metaphorisch jenen von ihm im Nachhinein als „dunkle Jahre“ bezeichneten Lebensabschnitt kommentieren. Schmidt-Rottluff malte nicht nur beengte Innenräume, die diese eingeschränkte Situation eindringlich vor Augen führen, sondern auch zerstörte Landschaften mit entwurzelten Bäumen, die den Verlust seines Fundamentes verdeutlichen, und schuf damit spannungsreiche, teilweise sogar apokalyptisch wirkende „Selbstbildnisse ohne Selbst“.

Als ein weiterer Aspekt in der Ausstellung werden jene Bildnisse in den Blick genommen, die wichtige Personen im Leben des Künstlers zeigen und sein Schaffen über sieben Jahrzehnte hinweg begleitet haben. Besonders nahe standen ihm neben seiner Frau Emy und den anderen Künstlerkollegen der „Brücke“-Vereinigung der Maler Lyonel Feininger, die Kunsthistorikerin Rosa Schapire sowie die Förderin Hanna Bekker vom Rath. Letztere hatte Schmidt-Rottluff nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten in ihrem Hofheimer „Blauen Haus“ ihr eigenes Atelier zur Verfügung gestellt; damit hat sie ihm – unerschrocken und mutig zugleich – den nötigen Platz eingeräumt, um weiterhin mit den „verräterischen“ Ölfarben malen zu können. Hanna Bekker, die als Schmidt-Rottluffs langjährige Mäzenin eine der wenigen Personen war, die einen allumfassenden Einblick in sein Schaffen hatte, legte 1974 in einer Kabinettausstellung das erste und bis heute einzige Mal den Fokus auf seine Selbstbildnisse.

Nach dem Zweiten Weltkrieg wird die Leuchtkraft der Farben im Werk von Schmidt-Rottluff enorm gesteigert. Sie gewinnt an Energie und Klarheit. Dass sich der Künstler in jenen Jahren als reiner Farbmaler verstand, verdeutlichen diejenigen Bilder, in welchen er uns seine Palette, Staffelei und Pinsel in leuchtenden Farben vorführt und sich
selbst als stillen Herrscher seines Reichs im Künstleratelier präsentiert.

Etwa ab 1960 rücken nicht nur motivisch, sondern auch thematisch das Selbstbildnis und das Bildnis seiner Frau Emy wieder stärker ins Zentrum seines Schaffens. Der „Alte Maler“, wie die letzten Selbstbildnisse programmatisch heißen, konfrontiert sich immer wieder, auf fast manische Art und Weise, mit sich selbst. Die derartig intensive Begegnung mit seinem Gegenüber im Wissen um das bevorstehende Lebensende wirkt gleichzeitig melancholisch resümierend, dabei sich dem Unvermeidbaren stellend, entgegensehend und annehmend.

© Hessisches Landesmuseum Wiesbaden
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Zur Ausstellung, die ab März 2016 auch im Brücke-Museum Berlin präsentiert wird, erscheint im Hirmer Verlag ein umfangreicher Katalog, der von der Ernst von Siemens Kunststiftung München maßgeblich mitfinanziert wurde.

Weitere Infos, auch zu Eintritt und Öffnungszeiten, Hessisches Landesmuseum Wiesbaden

Jäger und Sammler – Vom Ende einer Kultur – Hessisches Landesmuseum Wiesbaden ab 27.09.2015

© Hessisches Landesmuseum Wiesbaden
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Die Natur bietet dem Menschen alles was er zum Leben braucht. Doch nur noch wenige Kulturen haben die Fähigkeit das Angebot in seiner Fülle so zu nutzen, dass der Naturhaushalt keinen extremen Schaden erfährt.

Die Naturhistorischen Sammlungen des Museums Wiesbaden geben mit ihrer aktuellen Sonderausstellung „Jäger und Sammler – Vom Ende einer Kultur“ vom 27. September 2015 bis zum 22. Mai 2016 Einblicke in das Leben und die Umwelt dieser Gesellschaften. Beispielhaft wird in drei Ausstellungsälen mit großen Dioramen ein Eindruck von der südafrikanischen Kalahari, dem australischen Outback und dem Amazonasregenwald vermittelt. Taschen aus Vogelnestern und messerscharfe Klingen aus Steinen, Schmuckgegenstände aus Federn und Nüssen, Speere und Pfeile aus leichtem Holz sind nur einige der über 300 Ausstellungsstücke, die als Leihgaben in die Ausstellung kamen oder aus der völkerkundlichen Sammlung des Museums Wiesbaden stammen.

© Hessisches Landesmuseum Wiesbaden
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So hat das Grassi Museum für Völkerkunde zu Leipzig aus ihren bedeutenden Sammlungen einen Bogen der Andamanen und historische Bumerangs der Aborigines ausgeliehen. Ein Modell eines Eskimokanus aus Originalmaterialien kommt aus Mannheim von den Reiss-Engelhorn-Museen. Einen Großteil der Objekte brachte der Wiesbadener Werner Hammer von seinen Expeditionen mit. Er lebte viele Jahre bei den Menschen in den Urwäldern Südamerikas und anderer Regionen. Bereits als Jugendlicher entwickelte sich sein Interesse für indigene Völker und so studierte er alle ihm zur Verfügung stehende Literatur. Mit 20 Jahren reiste er erstmals alleine tief in den Amazonas. Alle weiteren Expeditionen unternahm er mit seiner Frau Marion Dirksen. Für die Ausstellung stellt Werner Hammer nicht nur seine mitgebrachten Alltags- und Kultgegenstände und Fotografien zur Verfügung. Im Kuratorenteam entwickelte er mit den Mitarbeitern des Museums auch das Konzept der Ausstellung und brachte sein Wissen und seine Erfahrungen ein. „Für diese Menschen und ihre Kultur gibt es in unserer Welt immer weniger Platz“, sagt Hammer. Unter welchen Bedingungen eine Vielfalt an Jäger- und Sammlerkulturen erhalten bleiben können, wird in der Ausstellung auch zum Thema gemacht.

Alle in der Ausstellung vertretenden Gesellschaften, wie die San und Pygmäen Afrikas, die Avá Guajá und Inuit Amerikas, die Stämme der Aborigines in Australien und die Semang Asiens leben heute im Kontakt mit der modernen Welt, und das zumeist unfreiwillig. Straßen, Erdölpumpen und Plantagen breiten sich in ihrem Lebensraum aus und zerstören die natürlichen Lebensgrundlagen. Fanatische Missionare tragen mit dazu bei, ihre Kultur zu vernichten.

© Hessisches Landesmuseum Wiesbaden
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In Mittel- und Nordeuropa traten vor 7500 Jahren Ackerbau und Viehzucht ihren Siegeszug an und verdrängten nach und nach die Jäger- und Sammlerkulturen. Mit einem Rückblick auf die Frühgeschichte macht die Ausstellung auf diese Kulturen aufmerksam, die über die längste Zeit der Geschichte die bestimmende Lebensform der Menschen war. Im Fokus stehen dabei die von Prof. Dr. Thomas Terberger erforschten Pferdejäger von Wiesbaden-Igstadt. Sie lebten vor etwa 23 000 Jahren, also noch während der letzten Kaltzeit. Die Ausgrabungen förderten auch Schmuck aus fossilen Muscheln und Schnecken zutage und lassen eine vielseitige Kultur erkennen. Die Leihgaben stammen aus den Sammlungen des Stadtmuseums Wiesbaden. Die letzten Jäger- und Sammlerkulturen Europas sind schließlich Gegenstand der Forschung von Wolfram Viel, der in der Ausstellung einen besonderen Fundplatz der nordwesteuropäischen Ertebølle-Ellerbek-Kultur aus der Zeit vor etwa 7000 Jahren vorstellt.

Heute leben lokale Gemeinschaften von Jägern und Sammlern meist nur noch in extra für sie geschaffenen Reservaten oder in Gebieten,die bis jetzt aus ökonomischer Sicht für die Welt uninteressant waren. Die dort lebenden Menschen sollten selber entscheiden können, ob sie weiterhin isoliert ihre Kultur pflegen oder sie mit der Außenwelt Kontakt haben möchten. Mit der Ausstellung möchten die Kuratoren auf ihre Lebensweise aufmerksam machen und dazu beitragen, dass ihnen der Raum gelassen wird, der ihnen zusteht.

Führungen und Veranstaltungen zur Ausstellung
Führungstermine
Donnerstags um 18:00 Uhr und sonntags um 11:00 Uhr laden wir Sie zu öffentlichen Führungen durch die Naturhistorischen Sammlungen und die Sonderausstellung Jäger und Sammler ein.
Die aktuellen Themen finden Sie im Veranstaltungskalender der Interseite. Hier können Sie auch die Termine entnehmen, an denen Werner Hammer durch die Ausstellung führt.

Vorträge
Di 13 Okt 2015, 18:00 Uhr
Die Asmat in Papua, Sammler und Jäger im Aufbruch in die Moderne
Mit Prof. Dr. Gunter Konrad, Mönchengladbach

Di 8 Dez 2015, 18:00 Uhr
Die Pferdejäger von Wiesbaden
Mit Prof. Dr. Thomas Terberger, Greifswald

Di 9 Feb 2016, 18:00 Uhr
Die Ureinwohner von Australien
Mit Dr. Scheps-Bretschneider, Leipzig
Exkursionen

Sa 17 Okt 2015, 14:00 – ca. 17:00 Uhr
Pferdejäger und Muschelsammler – Geologisch-archäologische Wanderung zum altsteinzeitlichen Fundplatz Wiesbaden-Igstadt
Mit Prof. Dr. Thomas Terberger, Hannover und Dr. Michael Weidenfeller, Wiesbaden
Treffpunkt: 14:00 Uhr, Bushaltestelle „Am Wiesenhang“ (Linie 23), in der Susannastraße, Wiesbaden-Igstadt

Angebote für Schulen und Familien
Sa 10 Oktober, 11:00 – 13:30 Uhr
Museumswerkstatt für Kinder: Auf den Spuren von Jägern und Sammlern: Blasrohre bauen und damit schießen

So 15 November, 11:00 – 14:00 Uhr
Offenes Atelier für Kinder und Familien in der Ausstellung Jäger und Sammler

Sa 21 November, 11:00 – 13:30 Uhr
Museumswerkstatt für Kinder: Auf den Spuren von Jägern und Sammlern: Masken, Gesichtsbemalung und mehr herstellen

Ort:

Museum Wiesbaden
Hessisches Landesmuseum 
für Kunst und Natur
Friedrich-Ebert-Allee 2
65185 Wiesbaden
Fon 0611 ⁄ 335 2250
Fax 0611 ⁄ 335 2192

Kurbad, Fürstenbad, Volksbad – Architekturgeschichte des Bades in Wiesbaden eröffnet

„Kurbad, Volksbad, Fürstenbad – Zur Architekturgeschichte des Bades“ vom 17. Juni bis 13. September 2015 im Schaufenster Stadtmuseum, Ellenbogengasse 3 – 7, Wiesbaden.
swinemuende-seebadWellness-, Spass- und Heilbäder wie auch das tägliche Duschen sind heutzutage so selbstverständlich, dass wir uns kaum vorstellen können, dass Körperhygiene und Baden in warmen Wasser einst Privileg von Adel und gehobenem Bürgertum waren.  Wie  sich  aus den einstigen Badeprivilegien einiger weniger bis heute eine so breite und vielfältige Bade- und Wellnesskultur entwickeln konnte, zeigt nun erstmals aus bauhistorischem Blickwinkel die Ausstellung „Kurbad, Volksbad, Fürstenbad – Zur Architekturgeschichte des Bades“ vom 17. Juni bis 13. September 2015 im Schaufenster Stadtmuseum,  Ellenbogengasse 3 – 7, Wiesbaden.

Dr. Susanne Grötz, Projektleiterin "Balnea" Stuttgart, hielt den Einführungsvortrag.
Dr. Susanne Grötz, Projektleiterin „Balnea“ Stuttgart, hielt den Einführungsvortrag.

Der größte Teil der Ausstellung, einer Wanderausstellung, zeigt aus Holz und Gips in 20 000 Arbeitsstunden gefertigte Modelle der Bäderarchitektur vom 17. bis 20. Jahrhundert von Studierenden (Balena-Projekt) der Fakultät Architektur und Stadtplanung der Universität Stuttgart. Ausstellungsschwerpunkt bildet dabei jedoch die Entwicklung der Bäderarchitektur seit der Einführung erster öffentlicher Badeanstalten im 18. Jahrhundert bis zur mondänen Badekultur der Belle Epoque..

In ihrem Festvortrag führte Dr. Susanne Grötz,  Projektleiterin „Balnea“  in die sechsjährige Entwicklung und  Inhalte der wunderbar – auch für Kinder sehr anschaulichen – Ausstellung ein (Gesamtvortrag, siehe unten).

Badschlösschen Lazienka vor 1690
Badschlösschen Lazienka vor 1690 im Tierpark eines riesigen Adelsgutes nahe Warschau.

Die frühesten Bauten, so Grötz, die im Modell vorgestellt werden, sind die  Badepavillons in den Parks der Residenzen des 16. und 17. Jahrhunderts. Kleine Badeschlösschen, die dem Divertissement der Fürsten  dienten.

 

 

 

Badschiff auf der Seine 1760
Badschiff auf der Seine 1760

Weitere Stationen sind die Flussbadeanstalten und Badeschiffe des 18. und 19. Jahrhunderts, die Seebäder und die Volks- und Arbeiterbäder des frühen 20. Jahrhunderts. In einem besonderen Schwerpunkt der Ausstellung wurden niemals realisierte Idealentwürfe von Badehäusern um 1800 ins Modell umgesetzt. In dieser von gesellschaftlichen Umwälzungen geprägten Periode brachten die Architekten eine Vielzahl innovativer Ideen zur Bauaufgabe Bad zu Papier.

Dr. Bernd Blisch, Komm. Direktor Stadtmuseum Wiesbaden, hielt die Einführungsrede für die präsentierten Wiesbadener Exponate.
Dr. Bernd Blisch, Komm. Direktor Stadtmuseum Wiesbaden, hielt die Einführungsrede für die präsentierten Wiesbadener Exponate.

Eine besondere Rolle kommt Wiesbaden als „Weltkurstadt des 19. Jahrhunderts“ in der Bäderausstellung zu. Gezeigt werden, so Dr. Bernd Blisch, Sammlungsleiter und kommissarischer Direktor des Projektbüros Stadtmuseum, spezifische Pläne, Stiche, historische Fotomaterialien und Architekturzeichnungen aus dem Bestand des Stadtmuseums. Darunter befinden sich wenig bekannte Architekturzeichnungen des um 1805 nach Wiesbaden geholten Baumeisters Christian Zais, etwa Pläne zum Bau des ersten Kurhauses von 1807 bis 1810, zum großen Badhaus vor dem Sonnenberger Tore (1816) sowie der Entwurf des Badehauses „Vier Jahreszeiten“ (1815), welches im Kriege zerstört wurde. Anhand der Pläne ist es aber noch gut vorstellbar und man sieht die vielen kleinen separaten Badestuben und die Gesamtorganisation des Hauses.

Modell: Konversationshaus Baden-Baden von 1824
Das großzügige Konversationshaus Baden-Baden (Modell Kur- und Badeareal), entwarf Baumeister Friedrich Weinbrenner 1824 nach dem Vorbild des 1807er Wiesbadener Kurshauses von Christian Zais.

Das Badhaus Vier Jahreszeiten und das erste Wiesbadener Kurhaus dienten vielen anderen Städten, etwa Baden-Baden, als Vorbild.

 

 

Präsentiert werden zudem Aquarelle des Wiesbadener Malers Hans Völcker zum Kaiser-Friedrich-Bad, welches 1913 auf altrömischen Bäder-Fundamenten im Stil antiker Thermen errichtet und seinerzeit zu den modernsten Heilbädern Europas zählte. Bis zu seiner Umwidmung zum Römisch-Irischen Wellness-Bad und einer Senioren-Residenz war hier die einst berühmte Rheumaklinik beheimatet.

Rose-Lore Scholz, Kulturdezernentin der Landeshauptstadt Wiesbaden trat in ihrem  Grußwort für ein historisches Stadtmuseum ein.
Rose-Lore Scholz, Kulturdezernentin der Landeshauptstadt Wiesbaden trat in ihrem Grußwort für ein historisches Stadtmuseum ein.

Kulturdezernentin Rose-Lore Scholz legte in ihrem Grußwort gleich zu Beginn den Besuchern der Ausstellungseröffnung einen Besuch im Kaiser-Friedrichs-Bad ans Herz. Vor allem dankte Sie Dr. Bernhard Blisch und seinem Team Projektbüro-Stadtmuseum für das Zustandekommen der Zusammenarbeit mit dem Stuttgarter Balnea-Team und für die Gestaltung der Ausstellung. Scholz wertete die große Aufmerksamkeit, die dieser Ausstellung zukomme für ein weiteres Indiz des Wunsches in der Bevölkerung für ein Stadtmuseum, das noch immer fehle. So sei neulich in den Medien eine mangelnde Identifikation der Bürger mit ihrer Stadt beklagt worden. Und das läge in erster Linie mit daran, „weil Wiesbaden immer noch nicht das Historische Museum hat, was wir eigentlich brauchen. Gerade historische Museen, gerade Ausstellungen wie diese, die wir heute hier eröffnen, helfen Menschen und auch einer Stadtgesellschaft, Antworten auf die Fragen zu finden, wer man ist, wo man herkommt, und wohin man möchte“, sagte Scholz und fügte hinzu: „Diesen Spagat zwischen Geschichte und Gegenwart gestaltet das Projektbüro Stadtmuseum Wiesbaden mit seinem kommissarischen Direktor Dr. Bernd Blisch immer wieder beispielhaft. Deswegen erwähne ich ihn auch zweimal mit seinem Team und eine große Anerkennung für die großartige Ausstellung  und die begleitende Museumspädagogik. Weiter so!“.

Begleitprogramm und Museumspädagogik
Besichtigungen des Kurhauses Wiesbaden finden statt am 21. Juni, 26. Juli, 16. August, 20. September 2015, jeweils 11.00 Uhr, Treffpunkt: auf dem roten Teppich am Eingang (Stadtseite) zum Kurhaus. 8 Euro Vorverkaufsgebühr in der Tourist-Information.

Exkursion zum Kranzplatz und Kochbrunnen finden statt am 10. Juli und 14. August 2015, jeweils 15 Uhr, Treffpunkt: Schaufenster Stadtmuseum, Ellenbogengasse 3-7. 8 Euro Vorverkaufsgebühr in der Tourist-Information.

Die speziellen Angebote für Grund- und weiterführende Schulen sowie Ferienangebote für Kinder im Grundschulalter können angefragt werden direkt über Tel.: 06 11–34 13 28 77, stadtmuseum@wiesbaden.de

 Festvortrag „Kurbad, Volksbad, Fürstenbad – Zur Architekturgeschichte des Bades“ von Dr. Susanne Grötz

Wir danken Frau  Dr. Susanne Grötz. Projektleiterin „Balnea“, Stuttgart, ganz herzlich, dass wir  ihren hochinteressanten und lehrreichen Festvortrag im Wortlaut folgend publizieren dürfen.

Dr. Susanne Grötz, Projektleiterin "Balnea" Stuttgart, hielt den Einführungsvortrag.
Dr. Susanne Grötz, Projektleiterin „Balnea“ Stuttgart, hielt den Einführungsvortrag.

„Sehr geehrte Damen und Herren,
Sehr geehrte Frau Scholz haben Sie herzlichen Dank für Ihre charmante Begrüßung.
Im Namen des Balnea-Teams möchte ich mich zuerst einmal bei Ihnen lieber Herr Dr. Blisch ganz herzlich bedanken. Wir freuen uns, an diesem so trefflichen Ort, der Landeshauptstadt Hessens und dem renommierten Kurbad Wiesbaden  zu Gast zu sein.

Zu den Architektur-Modellen
Einige kurze Bemerkungen zur Genese der Ausstellung: das Balnea- Team arbeitet seit vielen Jahren fächerübergreifend zu architekturhistorischen Themen, zu italienischen Theaterbauten, zu Gärten und nun zur Bauaufgabe des Badehauses. Die Arbeitsgruppe, das sind meine Marburger Kollegin, die Kunsthistorikerin und Kuratorin Dr. Ursula Quecke und der Architekt und Gestalter Dr. Erwin Herzberger. Der ehemalige Leiter der Modellbauwerkstatt Martin Hechinger betreute die Studierenden und Sie werden sehen zu welch phantastischen Ergebnissen das führte!

Die  Architekturmodelle dieser Ausstellung wurden auf der Basis historischer Ansichten und Pläne in ganz unterschiedlichen Materialien und Bauweisen in akribischer Arbeit von Studierenden der Fakultät für Architektur und Städtebau an der Universität Stuttgart gefertigt. 20 000 Arbeitsstunden sind schätzungsweise in die Modelle eingeflossen.

Die Ausstellungsschwerpunkte
Die Ausstellung Balnea stellt die neuzeitliche europäische Bäderarchitektur in einer Auswahl charakteristischer Bauten vom 17. bis zum frühen 20. Jahrhundert vor.
Die frühesten Bauten, die im Modell vorgestellt werden, sind die  Badepavillons in den Parks der Residenzen des 16. Und 17. Jahrhunderts. Kleine Badeschlösschen, die dem Divertissement der Fürsten  dienten. Weitere Stationen sind die Flussbadeanstalten und Badeschiffe des 18. und 19. Jahrhunderts, die Seebäder und die Volks- und Arbeiterbäder des frühen 20. Jahrhunderts. In einem besonderen Schwerpunkt der Ausstellung wurden niemals realisierte Idealentwürfe von Badehäusern um 1800 ins Modell umgesetzt. In dieser von gesellschaftlichen Umwälzungen geprägten Periode brachten die Architekten eine Vielzahl innovativer Ideen zur Bauaufgabe Bad zu Papier.

Zu den niemals in die Realität umgesetzten Projekten machen die Modelle auch nicht mehr erhaltene, oftmals nicht nur durch Kriegszerstörung, sondern häufig auch durch Abriss in jüngerer Zeit verlorene Bauten durch Rekonstruktionen wieder erfahrbar.

Übersichtsmodelle veranschaulichen die städtebauliche Einbindung der Bäder, es gibt aber auch Einblicke in preziöse Baderäume, ähnlich eines Guckkastens. Dann gibt es Schnitte durch Gebäude, die gerade die Funktionen einzelner Räume, ihre Ausstattung mit Wannen und Bassins bis hin zu den Heizanlagen aufscheinen lassen. Für jedes einzelne Objekt haben wir gemeinsam mit den Studierenden überlegt, welcher Aspekt am interessantesten wie darzustellen ist.

Neue Hygieneimpulse der Aufklärung führt zur Renaissance des Bädergedankens
Hatten noch im Mittelalter allerorten öffentliche Badestuben den städtischen Alltag geprägt – in großen Handelsstädten gab es bis zu 200 Badestuben – wurde das Bad als öffentliche Einrichtung bis zum 17. Jahrhundert weitestgehend aufgegeben.  Die Vorstellung, dass in die Haut eindringendes Wasser die Körperflüssigkeiten störe und das empfindliche Gleichgewicht des Körpers verletze, war unter anderem dafür verantwortlich. Und man führte die Verbreitung von Seuchen und Epidemien auch auf die Badehäuser zurück. Im Zuge der Aufklärung brachten neue Strömungen in Medizin und Pädagogik mit dem Wissen um die hygienische und therapeutische Wirkung des Wassers einen Wandel herbei und so entstanden zur Mitte des 18. Jahrhunderts wieder vermehrt öffentliche Bäder, um der Vernachlässigung der Hygiene und Körperpflege entgegen zu treten.

Die große Zeit der Badeschiffe

Badschiff auf der Seine 1760
Badschiff auf der Seine 1760

In Diderots „Encyclopédie“, dem umfassenden Lexikon aller Wissenschaften, Künste und Berufe des 18. Jahrhunderts, findet sich die Darstellung eines Badeschiffes auf dem Fluss. Hierbei handelt es sich um ein mit beheiztem und gefiltertem Flusswasser betriebenes Wannenbad. Es wurde 1761 in Paris als erste öffentliche Badeanstalt für das wohlhabende Bürgertum auf Initiative eines Baders errichtet. Die Betreuung des Badebetriebs lag in jener Zeit in Händen der Barbiere und Perückenmacher. Diese betrieben neben vielerlei Anwendungen der Gesundheits- und Körperpflege (Aderlass, Rasur u.a.) die Bäder privatwirtschaftlich.

Bis weit ins 19. Jahrhundert waren die am Ufer verankerten Badeschiffe in den europäischen Großstädten verbreitet. So war nach dem Pariser Vorbild 1774 ein erstes Badeschiff auf deutschem Territorium in Frankfurt eröffnet worden.

Hufeland über die Kunst durch Baden menschliches Leben zu verlängern
Der Weimarer Arzt und Aufklärer Christoph Wilhelm Hufeland nennt 1796 in seiner berühmten Schrift „Die Kunst das menschliche Leben zu verlängern“ u. a. zwei Hauptmittel zur Erhaltung der Gesundheit: die  „Reinlichkeit und Hautkultur“ .
Dazu schreibt er: „Man wasche sich täglich mit frischem Wasser den ganzen Körper und reibe zugleich die Haut stark, wodurch sie außerordentlich viel Leben und Gangbarkeit erhält. Man bade jahraus jahrein jede Woche wenigstens einmal in lauem Wasser, wozu sehr nützlich noch eine Abkochung von 5-6 Lot  Seife gemischt werden kann. Wollte Gott, dass die Badehäuser an allen Orten wieder in Gang gesetzt würden, damit auch der unbegüterte Teil des Volks diese Wohltat genießen könnte, so wie er sie in den vorigen Jahrhunderten überall genoß, und dadurch gesund und stark wurde. (Anm. dazu: Wir haben noch überall Badehäuser und Bäder, aber bloß als Monumente jener löblichen Gewohnheit. Ihre Benutzung ist durch eine unangreifliche Indolenz der Menschen ganz abgekommen. Ehemals gingen alle Sonnabende Badeprozessionen mit klingenden Becken durch die Straßen, um ans Baden zu erinnern, und der im Schmutz arbeitende Handwerker wusch nun im Bade jene Unreinigkeit von sich, die er jetzt gewöhnlich zeitlebens mit sich trägt. Es sollte jeder Ort ein Badehaus oder Floß im Flusse für den Sommer, und ein andres für den Winter haben“

Schwimmende Badeanstalten setzen sich in ganz Europa durch

Ulmer Badeanstalt an der Donau, ein Beispiel für allerorten an Flüssen und Seen entstehende Flussbadeanstalten, war über Stege vom Ufer zu erreichen
Das Waschschiff Treichler am Limmatkai in Zürich ist ein Beispiel für allerorten an Flüssen und Seen entstehende Flussbadeanstalten.

Die sich immer weiter verbreitende Einsicht, dass das Baden für jedermanns Gesundheit unerlässlich sei, führte in ganz Europa zum Einsatz von Badeschiffen und Flußbadeanstalten. Die schwimmenden am Ufer befestigten Badeanstalten, die in der Folge der Badeschiffe entstanden, waren einfache Holzkonstruktionen. Diese Flussbäder verfügten über wenig Luxus. Zudem hatten sie mit einem ungezwungen Bad unter freiem Himmel, wie wir uns das heute vorstellen mögen, nichts gemein. Die Badenden bewegten sich zwar nackt im Wasser, jedoch in Bretterverschlägen oder Holzhäuschen, die vor Blicken und Licht schützten. Neben der Unfallverhütung galt es auch, Kontrolle über das Baden zu gewinnen und das ’wilde Baden’ zu unterbinden.

Die Ulmer Badeanstalt an der Donau, ein Beispiel für allerorten an Flüssen und Seen entstehende Flussbadeanstalten, war über Stege vom Ufer zu erreichen. Jeweils neun einfach eingerichtete Kabinen waren dicht an dicht auf einem schwimmenden Ponton befestigt. Die Badehäuschen dienten als Umkleidekabinen und als Zugang zum Wasser. Der Badende bewegte sich in einem ’Käfig’ im kalten Flusswasser.

Der Aufbruch zum fest gebauten Badehaus
Wie wichtig das Thema des öffentlichen fest gebauten Badehauses um 1800 war – anders als das saisonal abhängige Fußbad – beweisen verschiedene Ideenwettbewerbe der Bau-Akademien. Die Bäderarchitektur war ein Thema der Akademien, musste doch der Typus des Badehauses erst noch gefunden werden. Bislang konnten nur die römische Thermenarchitektur und die islamischen Bäder zum Vorbild dienen. Im Mittelalter wurden entweder die antiken Strukturen weitergenutzt oder anspruchslose Holzgebäude errichtet. Neben den Badeschiffen, deren Architektur vom Schiffsbau vorgegeben war, gab es Badeappartements, die in die Raumfolge der Stadtpalais oder fürstlicher Schlösser integriert und im Stil des jeweiligen Gesamtkomplexes ausgebildet waren.

Dieser neuen Bauaufgabe des Badehauses widmeten sich in Kenntnis der Literatur und Bauten der Antike sowie der Renaissance zahlreiche Architekten. Idealentwürfe, die nicht zur Ausführung kamen, bis ihn unsere Studentinnen im Modell umsetzten, erschienen in Traktaten und Publikationen, wie etwa in Johann Gottfried Grohmanns „Ideenmagazin“ (1796 bis 1816). Hier finden sich Badehäuser im chinesischen, maurischen oder ägyptischen Geschmack.

Frühe Luxusbäder – die ersten „Wellness-Tempel“
In dieser Zeit entstanden einige sehr luxuriös ausgestattete Badehäuser mit Wannenbädern, Dampfbad und Schwimmbassin. Im Unterschied zu den Flussbadeanstalten, die ja vorwiegend der Reinigung und der Abhärtung dienten, waren diese Bäder dem Vergnügen gewidmet. Ähnlich wie im Theaterbau finden sich deshalb etliche Anräume wie Lesesäle oder Spielstätten. Die privat betriebenen Einrichtungen konnten so ihre Kosten über das hohe Eintrittsgeld einspielen. In der Folge, Ende des Jahrhunderts, entsteht in Stuttgart in der Büchsenstrasse ein solches Schwimmbad. Leo Vetter, der sich eingehend mit dem Schwimmbadbau beschäftigte und etliche Schriften zum Thema vorlegte, gründete in Stuttgart ein modernes Bad im maurischen Stil, das sich an den nah gelegenen königlichen Bädern der Wilhelma orientierte.  Die Rekonstruktion der Herrenschwimmhalle ziert das Buchcover des Balneakatalogs. Verlassen Sie die Ausstellung nicht bevor sie dieses sehr aufwändig gearbeitete Modell angesehen haben. Daran haben drei Studentinnen ihre gesamten Sommermonate gearbeitet.

Der preußische Architekt Carl von Diebitsch entwarf um 1862 das Bade- und Caféhaus in Kairo
Der preußische Architekt Carl von Diebitsch entwarf um 1862 das Bade- und Caféhaus in Kairo

Ein weiteres Beispiel orientalisierender Architektur finden wir im Bade und Cafehaus für Kairo. Dort baute der preußische Architekt Karl von Diebitsch Märchenpaläste für den ägyptischen Vizekönig Ismail Pascha.  Hier ist auch der Reimport islamisierter Architektur „Made in Germany“ in den Orient interessant.

Jedem Deutschen ein wöchentliches Bad

Das erste Volksbad wurde 1855 in Hamburg am Schweinemarkt gebaut. Es verfügte über 65 Badewannen und 56 Waschstände zum Wäschewaschen.
Das erste Volksbad wurde 1855 in Hamburg am Schweinemarkt gebaut. Es verfügte über 65 Badewannen und 56 Waschstände zum Wäschewaschen.

Wenn Sie dann im Anschluss, die frühen Hygienebäder ansehen, könnte der Unterschied nicht grasser sein. Sie sehen eine kleine Pappschachtel, die das Volksbrausebad, im Original eine Wellblechhütte, darstellt. Dieses in ganz dürftigen Materialien hergestellte Modell – das unserem Modellbauer überhaupt nicht gefallen hat – steht für die sozialreformerische Idee „Jedem Deutschen wöchentlich ein Bad“.  1883 nutzten tausende von Besuchern dieses Volksbrausebad auf der Hygiene-Ausstellung in Berlin. Dort wurde diese Einrichtung vorgestellt, um dem eklatanten Mangel an öffentlichen Badeeinrichtungen  bewusst zu machen. Wurden schon seit hundert Jahren Flussbadeanstalten gebaut, die sich ja mehr und mehr einem breiten Publikum öffneten, so war 1880 noch lange nicht die Maxime „Jedem Deutschen wöchentlich ein Bad“ erfüllt.

Dieses um 1900 immer noch äußerst ehrgeizige Ziel,  ist heute für uns  kaum noch vorstellbar. Vergessen haben wir das erst in den siebziger Jahren des letzten Jahrhunderts die flächendeckende Versorgung durch Privatbäder einsetzte.

Täglich duschen gehört für viele von uns zum Alltag. Und wenn man Täglich duschen in eine Suchmaschine eingibt kommen als erstes Seiten die fragen: waschen wir uns zu oft? Ist täglich duschen gesund und so weiter.

Obwohl sich das Verständnis von Hygiene und Körperpflege ständig veränderte und verändert, war und ist das Thema Baden stets aktuell.

Die besondere Geschichte der Seebäder
Ein weiteres sehr amüsantes Kapitel der Bädergeschichte ist das Seebad. Unser Umgang mit dem Meer hat sich ebenso sehr gewandelt, unser unbekümmertes und freudiges Rennen ins Meer ist auch eine neue Kulturtechnik.

Die Badeschaluppe, ein am Strand vertäutes Segelboot, wurde zum Baden ins Meer gebracht.
Die Badeschaluppe, ein am Strand vertäutes Segelboot, wurde zum Baden ins Meer gebracht.

Der Umgang mit der See musste erst erlernt werden, und dazu erfand man uns heute kurios erscheinende Badegeräte. Die Badeschaluppe, ein am Strand vertäutes Segelboot, wurde zum Baden ins Meer gebracht. Wenn es vom Strand ausreichend entfernt war, entkleideten sich die Badegäste hinter geschlossenen Gardinen und stiegen über eine Treppe hinunter in den kleinen zwei Meter langen und ein Meter tiefen Holzkäfig, der in die See abgesenkt wurde. So war das kurze Abtauchen ins bewegte Seewasser gefahrlos möglich, hatte mit selbstvergessenen sich von den Wellen treiben lassen oder gar mit schwimmen rein gar nichts zu tun.

Allerdings wurden in den Seebädern die Badeschaluppen bald von den in England entwickelten Badekarren, fahrbaren Kabinen, abgelöst, da die Gäste reihenweise seekrank wurden.

Eine eindringliche Beschreibung des Badevorgangs, die er in England kennen gelernt hatte,  liefert uns Georg Christoph Lichtenberg. In seinem 1793 veröffentlichten Aufsatz: Warum hat Deutschland noch kein öffentliches Seebad? scheint der abenteuerliche Gebrauch dieser neuen Erfindung durch:

„Man besteigt ein zweirädriges Fuhrwerk, einen Karren der ein von Brettern zusammen geschlagenes Häuschen trägt, das zu beyden Seiten mit Bänken versehen ist …In dieses Häuschen steigt man nun, und während der Fuhrmann nach der See fährt, kleidet man sich aus. An Ort und Stelle, die der Fuhrmann sehr richtig zu treffen weiß … lässt er das Zelt nieder: Wenn also der ausgekleidete Badegast alsdann die hintere Thüre öffnet, so findet er ein sehr schönes dichtes leinenes Zelt, dessen Boden die See ist, in welche die Treppe führt. Man fasst mit beiden Händen das Seil und steigt hinab. Wer untertauchen will, hält den Strick fest und fällt auf ein Knie, wie die Soldaten beim Feuern im ersten Glied, steigt alsdann wieder herauf, kleidet sich bey der Rückreise wieder an usw. Es gehört für den Arzt, zu bestimmen, wie lange man diesem Vergnügen (denn dieses ist es im hohen Grade) nachhängen darf. Nach meinem Gefühl war es vollkommen ausreichend, drey bis viermal kurz hinter einander im ersten Glied zu feuern, und dann auf die Rückreise zu denken….“

Die Badekarren breiteten sich rasch über die gesamte Nord- und Ostseeküste aus und waren auch in Skandinavien und Holland gebräuchlich.

Aber die Menschen, die sich im Badekarren wagemutig in die See trauten, waren in der Minderheit, vielmehr war es üblich den Gästen beheizte Seewasserbäder in Wannenbädern zu verabreichen.

1794, im gleichen Jahr als Vogels Schrift „Über Nutzen und Gebrauch der Seebäder“ erschien, kamen bereits 300 Badegäste an die Ostsee. Die ersten Badeeinrichtungen waren den Männern vorbehalten.

Erst 1802 wurde in Heiligendamm ein kleines Damenbad am Strand eingerichtet. In rascher Folge eröffneten zahlreiche Seebäder an Nord- und Ostsee, denn die Zahl jener Badegäste, denen der „auf die Empfindungsnerven so wohltätig wirkende Wellenschlag“ im freien Meerbad zusagte, wuchs stetig.

Ihrer Nachfrage folgten immer neue Badeeinrichtungen: Zunächst einfache, von Holzpfählen eingefriedete und mit fahrbaren oder festen Strandkabinen kombinierte Seebäder, im späteren 19. Jahrhundert solche mit Herren-, Damen-, und Familienbad. In dieser Zeit erlangte das Schwimmen dann auch wieder allergrößte Popularität und nach und nach badete Mann und Frau gemeinsam, zuweilen gar textilfrei.

In den folgenden Jahren konkurrierten immer mehr Seebäder an Nord- und Ostsee um „Kurtouristen“.

Erst mit der Romantik  wird aus der Scheu, Liebe zum Meer
Über Jahrhunderte hatte  das Meer in den Menschen vor allem Gefühle des Schreckens und der Abscheu erregt. Erst nach einem allmählichen Wandel konnte der Reisende der Romantik die Erhabenheit des Meeres genießen.

Lassen wir noch einmal Joseph von Eichendorff zu Wort kommen: „Ein himmlischer Anblick aufgezeichnet nach dem ersten Besuch am Meer am 22. September 1805:…“ Mit der gespanntesten Erwartung sahen wir dem Augenblike entgegen, wo wir das Meer zu Gesicht bekommen würden. Endlich, als wir den Gipfel der letzten Anhöhe von Travemünde erreicht hatten, lag plötzlich das ungeheure Gantze vor unseren Augen, und überraschte uns so fürchterlich-schön, dass wir alle in unserem Innersten erschraken. Unermeßlich erstrekten sich die grausigen Fluthen in unabsehbare Fernen. In schwindlichter Weite verfloß die Riesen-Waßerfläche mit den Wolken, und Himmel u. Wasser schienen Ein unendliches Gantzes zu bilden. Im Hintergrunde ruhten ungeheure Schiffe, wie an den Wolken aufgehangen. Trunken von dem himmlischen Anblike erreichten wir Travemünde, ein, fast wie Karlsbad an der Küste erbautes niedliches Städtchen, welches wegen des dasigen Seebades von Fremden sehr häufig besucht wird. “

Modell Swinemeunde. wird häufig mit dem Ahlbecker See-Steg verwechselt, stammt aber aus der gleichen Zeit um 1888.
Modell Swinemeunde. wird häufig mit dem Ahlbecker See-Steg verwechselt, stammt aber aus der gleichen Zeit um 1888.

Während in den Jahrhunderten vor 1800 die Reise zu den heißen Quellen vorwiegend der Gesundheitspflege diente und oftmals große Unbequemlichkeit bedeutete, wurde die Bäderreise an die See oder in den Kurort im 19. Jahrhundert zunehmend zur Mode und zur gesellschaftlichen Pflicht. Symptomatisch dafür steht die Redensart: „Man geht dorthin, wo die Mode will, dass man gesunde.“(Jahrbücher der Heilquellen Deutschlands, 1821)

Mondäne Badeorte, unter denen Wiesbaden ein führender war, wurden zu Vergnügungsstätten der Belle Epoque.“
Dr. Susanne Grötz

swinemuende-seebad
Seebad-Steeganlage Swinemünde

 

Petition zur Rettung des Alten Gerichts in Wiesbaden gestartet

flyerpetition-altes-gerichtNamhafte Bürger* Wiesbadens wollen mit Ihrer Hilfe in der Innenstadt das alte Gericht, einen wunderbaren Neorenaissance-Bau der Gründerzeit, vor einer irreversiblen Zerstörung durch Umwidmung in (gehobene) Wohnbebauung retten. Dazu haben sie die Initiative „Haus der Stadtkultur und Stadtgeschichte“ (HDSK) gegründet, wobei der Name Programm ist, da das historisch  wertvolle Gerichts-Gebäude, selbst bereits ein begehbares Museum, geradezu prädestiniert ist als Kultur- und Stadtgeschichtshaus.

Da bislang jedoch sämtliche stichhaltigen Argumente bei den verantwortlichen Landes- und Stadtpolitikern mit Fehlinformationen wie „Protest sei zu spät“, „Gebäude-Statik zu schwach“, „Stadtmuseum zu teuer“ zurückgewiesen wurden, startete in diesen Tagen die HDSK eine große – bislang sehr erfolgreiche – Unterschriften-Rettungsaktion für das Alte Gericht(www.petition.altesgericht.de).

"Jawohl, da machen wir gerne mit!", zwei Studenten der Buchwissenschaften unterzeichnen auf der Minipressenmesse die Petition Altes Gericht. © DVG – massow-picture
„Jawohl, da machen wir gerne mit!“, zwei Studenten der Buchwissenschaften unterzeichnen auf der Minipressenmesse die Petition Altes Gericht. © DVG – massow-picture

Mit Ihrer Unterschrift können auch Sie mithelfen, das Gründerzeitgebäude im Neorenaissance-Stil in Wiesbadens Zentrum in der Gerichtsstrasse zu retten.
Machen Sie mit! Jede Unterschrift zählt. Je mehr Unterschriften bis 25. November 2015 zusammenkommen, um so höher wird der Druck auf die politisch Verantwortlichen, von der beabsichtigten irreversiblen Gebäude-Verschandelung abzusehen und grünes Licht für ein Stadtkultur- und Geschichtshaus zu geben.

Sie können entweder der Petition online über www.petition.altesgericht.de beitreten (ihre Kontaktdaten werden dabei nicht öffentlich) oder mittwochs und samstags jeweils zwischen 10.00 und 14.00 Uhr am Info-Tisch Ecke Neugasse/Ellenbogengasse persönlich unterzeichnen.

Weitere Infos zur Petition finden Sie unter www.petition.altesgericht.de und zur Initiative mit Bildern vom Alten Gericht auf www.altesgericht.de

*Initiatoren: Hochschullehrer Prof. Franz Kluge (Sprecher der HDSK), Ex-OB Achim Exner, Stadtrat u. Staatsminister a.D. Dr.Jörg Jordan, Landgerichtspräsident a.D. und Vors. der Casinogesellschaft Georg Schmidt-von-Rhein, Schuldirektor Dr. Gerhard Obermayr)